neue antikultur

NYE Party-Mix 2009!!!

rhododendron — 2009-12-31T15:11:00Z

So, die wirklich allerletzte Liste auf Nobono für 2009! Aber wirklich der Vorteil ist: Diesmal zum Runterladen! Jawoll! Für alle, die ihrer Silvesterfeier noch den allerletzten Kick geben wollen, gibt es an dieser Stelle meine zehn liebsten und besten und geilsten und überhaupt Remixe aus dem ausgehenden Jahr! Also bitte ziehen und genießen, die Links wurden mit viel Liebe zusammengestellt und weiter unten gibts sogar noch etwas mehr in Sachen Party-Rettung ;-)

01. The Gossip Heavy Cross (Fred Falke Remix)

02. Empire Of The Sun Standing On The Shore (Lifelike Remix)

03. Friendly Fires Skeleton Boy (Air France Remix)

04. Everything Everything My Keys, Your Boyfriend (Delphic Remix)

05. Fever Ray Seven (The Twelves Remix)

06. Bloc Party Ares (Villains Remix)

07. Phoenix Lisztomania (Classixx Remix)

08. Muse Uprising (Does It Offend You, Yeah? Remix)

09. Passion Pit The Reeling (Calvin Harris Remix)

10. La Roux In For The Kill (Skreams Lets Get Ravey Remix)

Und als ob dies nicht schon genug des Ganzen wär, gibt es an dieser Stelle noch ein weiteres Mixtape von meinem Alter Ego Pretty Boy Makes Rave, welches es seit ein paar Monaten zum Download gibt. Wer es also nicht hat, bitte jetzt ziehen und 45min feinsten Hau-Drauf-Elektro genießen! Hier ist das Tracklisting von!!!

01 Bleep the Bratz! (Intro)
02 AutoKratz Always More (Yuksek Remix)
03 Bloc Party One More Chance (Alex Metric Remix)
04 Pretty Boy Makes Rave Affirmative (Original Mix)
05 Boys Noize Shine Shine (Shadow Dancer Unreleased Remix)
06 Guns N Bombs Riddle of Steel
07 Frittenbude Das Licht (Soft.nerd Remix)
08 Hey Today! If I Was Wonderwoman (Van She Tech Remix)
09 La Roux Bulletproof (Foamo Remix)
10 Phoenix 1901 (Pretty Boy Makes Rave 1995 Remix Edit)
11 You Love Her Coz Shes Dead Superheroes
12 Heartsrevolution Ultraviolence (Chateau Marmont Remix)
13 A-ha Take On Me (The Twelves Remix)
14 Passion Pit The Reeling (Calvin Harris Remix)
15 Kate Bush Running Up That Hill (Datassette Remix)

Und hier der entsprechende Link zum runterladen:

PBMR Mixtape #3 Im Sleeping But Youre Still Awake

Also, lasst das Tanzbein schwingen und feiert schön ins neue Jahr rein!

Das komplette Nobono-Team wünscht einen guten Rutsch!!!

Rainbow Party - (10) The Bottom

The Fall On Deaf Ears — 2009-12-30T20:03:00Z

Ja. Jetzt haben wir ihn erreicht. Den Grund dieses Songbrunnens. Dort wo keine Lichter mehr da sind. Wo alles nur noch traurig, verzweifelt, depressiv ist. Und wo die größte Schönheit liegt.

05.) Thursday - The Lovesong Writer, 2006

Das ist der versprochene letzte Emo-Titel.
Zumindest könnte man das so einordnen, da Thursday ja immerhin aus diesem Genre stammen. Allerdings haben sie sich auf ihrem famosen '06er Werk "A City By The Light Divided" meilenweit davon entfernt. So ist sie wesentlich mehr von New Wave oder Postrock geprägt, als von Pop-Punk. Dennoch ist das Alles etwas ganz anderes als gefühlskalt oder chronisch unterkühlt. Hier brennt's, faucht, winselt, drängt, fleht.
Nicht nur die die Stimme, die doch sehr an Robert Smith erinnert, und einen derart jämmerlichen Klagegesang drauf hat, dass man doch mal schnell den psychologischen Notdienst rufen möchte. Nein, auch die Instrumente und das Arrangement bluten aus allen Poren pure Verzweiflung. Hier hat sich eine Kapelle zusammengefunden, um mit allen Mitteln das limbische System der Rezeptienten zu entern.
Und es gelingt ihnen bravourös. Der ziemlich kratzige, rauhe Klang fräst sich tief in die Hörbahn. Das kombinierte Spiel von Synthie-Piano und Blechgitarre erzeugt maximale Befangenheit. Dazu wimmert der Sänger Geoff Rickly seine Zeilen. Bis schließlich ab dem Punkt von Minute eins und zwei Sekunden das vollendete Affektinferno sich aus den Boxen ergießt.
Ja, die Herren meinen es ernst. Ja, sie schämen sich nicht, sich komplett offen zu legen und es uns frei zu stellen, was wir mit den dargebotenen Innereien der Band anfangen möchten. Werden wir sie verschmähen, werden wir uns dran mästen, oder werden wir uns einfach harakiriös deneben legen?
Und Ladies and Gentlemen: Achtet auf den Text. Nicht nur, dass hier die Crux eines Songschreibers beschrieben wird. Das allein würde noch keinen hinter dem Ofen hervor locken. Denn dazu spricht es einfach nur eine begrenzte Anzahl von Menschen an: nämlich die der kreativ wirkenden Menschen. Diese dürften den Inhalt aber zutiefst nachvollziehen können, ihn nachleiden können, sich verstanden wissen. Nein, Mädels und Jungs! Achtet auch und vor allem auf die Form, auf die Sprache. Das hier ist Poesie in seiner schönsten Form:
So he stumbles through syllables
cut from their sentences
lost letters call to him deep in the alphabet
"please! give us meaning!"
Als ich das zuerst hörte, blieb mir wirklich die Spucke weg. Ich konnte keine Luft mehr holen. Mir schossen die Tränen in die Augen. Aber nicht weil es mich an irgendetwas oder irgendjemand Spezielles erinnert. Es lebte einfach aus sich selbst heraus. Ein Text, der einen nur durch seine Sprache so von den Socken haut. Wo hat man so etwas schon erlebt in den letzten 10 Jahren? Mir ist das sonst nur bei literarischen Klassikern geschehen. Das will was heißen, meiner Meinung nach.
Das hier ist wirklich ein Trommelfeuer aus der Gefühlskanone, die einen absolut lahm legt. Habt ihr auf den C-Teil geachtet? Fifty red roses falling apart in the heart of someone you have scripted and left behind Welche Urgewalt da entfesselt wird? Wie man befürchten muss, dass einen Boxen und Herz gleichermaßen sprengt?
Alter Schwede, Thursday haben hier richtig gemacht, was man richtig machen kann, wenn man sich dem emotionalen Rock verpflichtet fühlt. Ach was! Der Popmusik allgemein. Ganz ganz großes Tennis.

4.) Bright Eyes - Nothing Gets Crossed Out, 2001

Und nochmal zum Thema Text. Konsequent wäre es, an dieser Stelle selbigen einfach nur abzunotieren und ihn einfach so wirken zu lassen. Das ist bei Herrn Oberst auch nicht weiter verwunderlich. Schließlich müsste es sich inzwischen herumgesprochen habe, dass dieser kleine Mensch der vermutlich beste musikalische Lyriker seiner Generation ist. Seine Fähigkeit Geschichten zu erzählen und Menschen dazu zu bringen ihm permanent zuzunicken und "Jawoll! So ist es, Alter!" zu flüstern, sind schon regelrecht legendär.
Den richtigen Anfang für diesen Hype konnte er mit dem Album Lifted or The Story Is In The Soil, Keep Your Ear To The Ground lostreten. Denn auch wenn zuvor schon extrem bewegende Anektoden erzählen konnte, kam 2001 einfach noch das entscheidende Jota Reife dazu, die es zuließen, dass auch eine breite Öffentlichkeit sich mit dem Schaffen des Folker aus Omaha auseinandersetzte.
Das Lied was mich da natürlich hervorragend anspricht ist das hier nun vorgestellte. Nur mal so als Ausriss:
All I do is just lay in bed and hide under the covers.
I just want someone to walking off and not fall off a leader.
I Know I should be brave, but I'm just too afraid of all this change.
I keep making these to-do lists, but nothing gets crossed out.
Nur Ich-Botschaften. Und ja das wirkt ehrlich. Und was für ein Erlebnis, dass man mit seiner leider nicht nur gelegentlichen geistigen Gelähmtheit nicht allein ist. Die Durchreißer unter euch werden jetzt sicher entnervt die Augen verleiern, dass man seine Sensibilität oder sowas nur als Entschuldigung für unfassbare Faulheit und übertriebene Ängstlichkeit nimmt. Schon möglich, aber die andere Hälfte Mensch wird Conor Oberst bzw. mich verstehen. Daher ist es jetzt auch für mich schwierig dieses Gefühl näher zu umschreiben. Aber ich nehme an, wenn eine Mensch, welcher 15'000 Kilometer entfernt von mir groß geworden ist, ähnlich, nein gleich (!), empfindet wie ich, dann gibt es sicherlich noch viele andere dazwischen und darüber hinaus.
Was ich aber beschreiben kann, ist die ganz und gar überwältigende Musik, die den Barden hier begleitet.
Dieses schöne Solo der Vibrato-Gitarre. Dieser Aufbau, der seinen Namen wirklich verdient. Hier wird fortlaufend und unaufhaltsam Instrument um Instrument dazu genommen, bis diese überlebensgroße Lied-Gebäude aufgebaut ist. Die schöne Appeggio-Gitarre, die ab Strophe 3 einsetzt macht den Raum unglaublich groß, ohne in Bombast à la Coldplay oder Editors zu verfallen. Das hübsche Glockenspiel verleiht diesem schweren Text eine unglaublich Leichtigkeit, das Marschschlagzeug zugleich eine gewisse Dringlichkeit.
Und vor allem und an eigentlich erster Stelle. Der Einsatz von Orenda Fink (Azure Ray, ihr erinnert euch) in der zweiten Strophe ist der größte Gänsehaut-Moment, den man mittels Musik vermitteln kann. So leise, so dezent, so zurückhaltend und dennoch so laut, brachial und berserkernd im Gefühlszentrum. Danach steht dort kein Stein mehr auf den anderen. Nein, alles wird aufgebrochen, erhitzt, befreit.
Auch wenn es pathetisch klingt, aber bei diesem Juwel ein mehr oder weniger akustischer Musik, muss ich leider auch schreibertechnisch ziemlich schwere Geschütze auffahren, um ihm wenigstens ansatzweise Herr zu werden. Verzeihung.

3.) Mogwai - Killing All The Flies, 2001

Hier schreibe ich mal lieber Nix über den Text. Da ich einfach noch nie versucht habe, zu entziffern, was da hinter dem Vocoder-Effekt hervorlugt. Von daher spielt es auch keine wesentliche Rolle. Allerdings - und das muss ich dazu sagen - gibt es wirklich tolle die-hard-fans, die auch solche Texte mitsingen können. Habe ich selber auf dem Southside erlebt, dass da irgendein Schotte (der sich nicht auf der Bühne befand), den Vocodergesang inbrünstig mit geträllert hat. Allerdings von Hunted By A Freak. Und nicht von Killing All The Flies. Denn den habe ich sie bei immerhin vier Konzerten noch nie spielen gehört. Warum sie den nicht jeden Tag spielen, ist mir schleierhaft. Denn es gibt kein Stück von Mogwai, was erstens mehr zusammenfasst, wer sie sind und was sie machen, der zweitens live eine unzähmbarere Energie aufbauen müsste und das drittens schlicht und ergreifend schöner ist.
Und nur damit wir uns gleich richtig verstehen: Das was dieses Lied ausmacht, ihn groß und unverzichtbar macht, das passiert bei exakt 2:34. Dieser Ausbruch ist der allerbeste der jemals, und damit meine ich nicht nur die letzten zehn Jahre, in meiner musikalischen Welt stattgefunden hat. Einen besseren Klimax kann man wahrscheinlich auch gar nicht komponieren. Das hier wird hervorragend vorbereitet. Mit sich liebevoll umspielenden cleanen Gitarren. Der sehr schönen "Gesangs"-Melodie. Mit dem bedächtigen aber mächtigen Getrommel. Dem hypnotischen Minimal-Groove des Basses. Dem vorsichtigen Ansätzen, dem kurzen Zurückpfeifen für die zweite Strophe, der relativ raschen Steigerung in diesen straighten Spannungsrhythmus und der sich stetig nach oben schraubenden Melodie. Und ohne diesen Spannungsbogen übermäßig zu überspannen, wird dann zügig und prägnant zu dem Teil gekommen, dem ich nur folgendermaßen beschreiben kann: Orgasmisch.
Das ist eine wahres Feuerwerk aus der Soundatillerie. Die ganze Band plus Streicher und sonstigem Orchestergetöse fällt über einen herein, dass man wirklich nicht anders kann als sich dem hinzugeben und absolut geplättet zu sein.
Wem das jetzt beim ersten Mal hören nicht so ging, dem sei nur empfohlen sich das wirklich LAUT anzuhören. Man muss dazusagen, dass Mogwai, zu der Zeit als sie dieses Lied komponierten, als die zweilauteste Band nach Manowar galt. Ihre Auftritte waren ein gesundheitsgefährdendes Inferno. Die Verstärker glühten, die Club-PA ächzte. Alles war ans Maximum getrieben. Vor allem die Besucher mussten ihre Eingeweide festhalten, damit diese nicht durch Schalldruck resiziert wurden. Als ich 2005 die Band zum ersten Mal live in Berlin am Postbahnhof sah, sind sie schon dazu übergegangen dieses Extrem nicht mehr auszureizen. Allerdings ließen sie sich beim letzten Song des Sets, nämlich Glasgow Mega-Snake doch noch einmal dazu hinreißen. Und ich hatte wirklich das Gefühl, die Welt ginge unter, so massiv wurden die Zuschauer dort zugeballert mit einer unfassbar drückenden Soundwand. Ein sagenhaftes Gefühl, das ich seitdem immer wieder versuche nachzuempfinden, aber bisher nicht mehr erlebt habe. Und nun stelle ich mir das mit diesem wunderschönen Killing All The Flies vor. Das müsste wirklich ein geradezu reinigender, kartatischer Moment sein.
Daher also die Empfehlung die Regler der Anlage so weit es geht nach rechts zu drehen. Wer sich nicht traut Nachbarn, Mitbewohner, Eltern an diesem Erlebnis teilhaben zu lassen, nehme einfach Kopfhörer und gönne sich und seinen Ohren auf diese Weise dieses Erlebnis. Das Erstaunliche ist, dass trotz dieses krassen Schalldrucks der laute Moment nie schwammig oder unsauber klingt. Es sind dennoch alle Instrumente klar zu orten und auseinander zu halten, was extrem für die Produktion dieses Albums spricht. Druckvoll und dennoch klar. Ein Meisterstück.

2.) Maria Solheim - Too Many Days, 2003

Jetzt könnt ihr die Anlage wieder auf normale Lautstärke zurückstellen. Denn diese Dame aus Norwegen hat eine ganz andere Herangehensweise, um einen zu packen. Too Many Days ist nämlich reduziert auf das wirklich Wesentliche: eine fabelhafte Stimme, welche einen unglaublichen Text singt, begleitet von exakt einer Gitarre. Okay später kommen noch Bass, Schlagzeug, Banjo, Streichquartett und irgendwelche Synthies dazu. Diese schaffen es jedoch, das Lied noch weiter nach vorne zu bringen. Sehr weit. Bis an die Grenzen und darüber hinaus.
Einst, als es den fabelhaften TV-Sender Viva Zwei noch gab, erschien von Zeit zu Zeit eine junge Frau, um mit exzellenten redaktionellen Inhalt dem Zuschauer ihre Lieblingsmusik näher zu bringen. Diese Dame sollte später einigen Ruhm ernten, indem sie diverse Feuchtgebiete ergründete. In ihrem früheren Leben jedoch, wurde sie im Wesentlichen durch die Sendung Fast Forward ins allgemeine Indie-Gedächtnis katapultiert. Eines Tages entschied sie und ihre Redaktion sich dazu, das Video Too Many Days einer kleinen zierlichen Frau namens Maria Solheim vorzustellen. Man sah: wie sie in ein leicht antiquiertes Aufnahmegerät dieses Lied sang. Mehr nicht. Ich war dennoch bestürzt. Erfreut. Überwältigt. So einen wundervoll traurigen Song hört man nicht alle Tage. Sicherlich spielt es ihr zu Gute, dass sie mit der Stimme eines Engels gesegnet ist. Dass sie weiß, wie man ein Lied enorm geschmackvoll begleitet. Dass sie ein enormes Gespür für Timing hat. Mit letzterem meine ich nicht nur den, von mir immer wieder geliebten, unvermittelten, überfallartigen Beginn. Auch das Tempo ist ideal, jede Strophe, jeder Refrain, jede Gitarrenakkord dauert genauso lange, wie er klingen muss. Auch der Text fügt sich punktgenau ein. Der Einsatz der dazukommenden Instrumente ist haargenau abgemessen. Alles passt schlicht und ergreifend perfekt.
Dass dachte sich anscheinend auch das Fast Forward-Team, denn sie entschieden sich prompt in der darauffolgenden Sendung, das Video noch einmal zu zeigen. Ein Ereignis, was meines Wissens nach recht selten in der Show vor kam. Und wieder überkam es mich unvermittelt. Der Unterschied war diesmal nur, dass ich es geschafft habe im Videotext nachzuschlagen wer das wann wie gesungen hat. Schnell die CD bestellt. Fertig war das vollendete Glück für eine gewisse Zeit. Diese gewisse Zeit dauert bis heute an.
Während ich die Rezensionen schreibe, höre ich die entsprechenden Lieder natürlich immer in Dauerschleife. Und da kam es durchaus bei einigen Titeln vor, dass ich mir wünschte, ich vollendete endlich den Text. Nicht so bei diesem Stück. Jedesmal bin ich wieder aufs Neue erfreut, es noch einmal zu hören. Ein Glücksfall.

1.) Deftones - Knife Party, 2000

Dieses Lied, nein, dieses Werk ist seit geschlagenen neuneinhalb Jahren mein absolut liebstes Lied aller Zeiten. Durchgängig. Ohne dass je irgendein anderer Song auch nur in die Nähe seiner Größe kommen konnte. Nicht die neunundvierzig Lieder, die ich davor beschrieben habe und auch sonst keine anderen, die mehr als zehn Jahre auf dem Buckel haben.
Wie kam's? Wieder ein Schwenk auf die seligen Viva Zwei-Zeiten. Da lief mehrmals (!) am Tag ein Song namens Digital Bath der mich ganz und gar getroffen hat. Den ich besitzen musste. Den ich einsaugen wollte. Also ab in den Laden (Saturn in Hamburg, werde ich wohl nie vergessen) und White Pony gekauft. Extrem oft durchgehört und lieben gelernt. Den hier vorliegenden Song Knife Party fand ich schon immer gut, war aber nie unbedingt mein Favorit. Bis ich eines Tages das Buch Der Verschollene (Amerika) von Franz Kafka las. Nicht das Übliche, was andere Sechzehnjährige so tun, aber was soll's. Es hat mich zu dem gemacht, der ich bin. Auf jeden Fall ist dieser Roman die Geschichte eines jungen Mannes, der in den US of A sein Glück versucht. Erfolg hat er dabei nicht wirklich viel. Eigentlich ist er von einer unfassbaren Menge an Pech verfolgt. Die Beschreibung, wie er von einer Scheiße - entschuldigt die Ausdrucksweise, es geht nicht anders - in die nächste rutscht, ist gruselig, niederschmetternd, schmerzhaft.
Ich muss an der Stelle eventuell noch kurz einschieben, dass ich eigentlich immer lese und dabei Musik höre. Hat sich halt so eingeschliffen und bisher fahre ich auch recht gut damit. Jedenfalls gibt es eine Stelle in dem Schriftstück, in dem der Protagonist wirklich und wahrhaftig den Boden erreicht. Er hat alles verloren, wurde bestohlen und folgt dann auch noch - weil ihm wenig Anderes bleibt und weil er ein unbeschreibliches Geschick besitzt, Murphy's Law zu personifizieren - den komplett falschen Leuten nach. Schrecklich. Man möchte in das Buch rufen "Tu das nicht. Wähle die Alternative. Mach nicht permanent so einen Scheiß. Bitte! Bitte!" Doch Kafka bleibt grausam und lässt den armen Kerl weiter ins offene Messer, welches mit allerhand fiesen Widerhaken versehen ist, rennen. Und dann auch noch stürzen. Wirklich und wahrhaftig grausam. Und an diesem genau diesem absoluten Tiefpunkt eines vorstellbaren Lebens ertönt dieses Lied.
Seine - noch clean gespielten - Gitarrenakkorde zu Beginn pusten sofort alle Lichter aus. Man ist darauf eingestellt: Von nun an folgt Finsternis. Und prompt mäht einen der massivst verfügbare Riff komplett nieder. Reißt einen sogar noch weiter nach unten. Als ob in einem Bergwerk unter Tage erst die Beleuchtung ausfällt und dann auch noch die tragenden Balken der Last nicht weiter Stand halten können. So klingt der Riff. Niederschmetternd. Was wohl damit zusammenhängt, dass die Gitarren unsagbar tief gestimmt sind. Ein Relikt aus der Deftone'schen New-Metal-Vergangenheit. Dieses aber optimal eingesetzt.
In der Strophe lässt die Band dann erstmal wieder Luft zu atmen, ohne aber für nennenswerte Beleuchtung zu sorgen. Doch im zweiten Teil des Vers - oder 2. und 3. Strophe ... so genau kann man das nicht sagen - folgt wieder die erdrückende Phon-Macht. So zieht sich das weiter durch. Laut-leise, hoch-tief. Doch das alles immer von den vollendeten Moll-Akkorden angeführt. Und darüber schwebt noch die stets zu brechen drohende Stimme des Chino Moreno. Resigniert, verzweifelt, traurig, depressiv und so weiter. Den Mann haben alle Lebensgeister verlassen - jedoch muss, muss, muss er weiter und weiter singen. So klingt das für mich zumindest. Der Mann singt von einer seltsamen Nihilisten-Feier, wo sich das Partyvolk mit Messern aufschlitzt, um zum Einen dadurch verbunden, gleich zu sein und zum Anderen sich zu öffnen, Nähe zulassen zu können, Liebe zu finden. Sehr seltsam das. Noch seltsamer ist, wie vertraut einem diese Vorstellung, dieser Gedanke vorkommt. Da hat jemand ganz tief in sich hinein geschaut und dieses faszinierend abstoßende Bild hervorgekramt. Und kann sich durch diese Parabel hervorragend öffnen und den Hörer und entsprechend tief in sich hinein schauen lassen. Beängstigend. Befreiend. Erstaunlich.
Doch das Lied ist damit noch lange nicht beendet. Nein für den C-Teil haben sich die Herren Deftones etwas ganz dramaturgisch wertvolles einfallen lassen: Mithilfe einer befreundeten Gastsängerin namens Rodleen Getsic, bekommt das Stück nun im Fortlaufenden eine besondere Note dazu: Die der schmerzenden Verzweiflung. Von wunderbaren - an orientalischen Gesang erinnernde - Melodien, die mehrfach durch den Hall- und Echoeffektwolf gejagt worden, schraubt sich das "Ohooohooho" in immer bedenklichere Höhen bis nur noch ein markerschütterndes, angstverzerrtes Kreischen übrig bleibt. Und es hört einfach nicht auf. Auch wenn schon längst der Refrain wieder eingesetzt hat, dringt der Hilferuf aus der Tiefe immer noch ans Ohr. Und man kann nichts tun. Man sitzt da und es sind einem die Hände gebunden, da man ja eigentlich nur mit modifizierten Schallwellen zu tun hat. Als ob man einen Mord am Bahnsteig vom Zugfenster aus beobachtet. Man erlebt das ganze Geschehen mit, kann dem armen Opfer aber nicht helfen, weil der Zug einfach weiterfährt und man ihn nicht verlassen kann. Dieses Erlebnis brennt sich ein und wird einen nie wieder los lassen.
Und so geschah es. Ich war gefangen. Die dunkle Welt des Prager Schriftstellers und die der Musiker aus Sacramento
hat sich verbunden und mich wirklich im Kern erschüttert.

Nie wieder sollte ich Musik davor oder danach so intensiv erleben. Kein Stück hat es seitdem geschafft mich derart heftig emotional anzurühren.
Egal um welche Emotion es sich handelt. Kein Lied konnte mir zum Beispiel in ein so intensives Gefühl der Freude verschaffen. Der Wärme. Der Traurigkeit. Der Hoffnungslosigkeit. Der Geborgenheit. Der Erotik. Der Angst. Des Hasses. Der Lust. Wohl gab es Lieder, die dieses Emotionen bei mir auslösen oder unterstützen konnten.
Doch nie war dieses Erlebnis so intensiv wie bei diesem Werk und der hoffnungslosen Verzweiflung, die es zu CD gebracht hat. Denn das ist das, worum es am Ende des Tages bei Musik eigentlich geht. Dass sie in uns Emotionen hervor zu holen vermag, die wir in der Intensität nicht für möglich gehalten hätten. Die uns mit- und gefangennehmen. Uns einfach nicht mehr loslassen. Die unser Leben begleiten und bereichern.

Lieblingsalben 2009 / Platz 05 - 01

rhododendron — 2009-12-29T22:01:00Z

05. The Boxer Rebellion Union

Manche Dinge brauchen halt so ihre Zeit. Das Zweitwerk von der Londoner Formation The Boxer Rebellion zum Beispiel. Dabei ist Union ja eine Art stilles Album der Rekorde. Das Album schaffte es als erstes Album in der Geschichte in die US-Charts ohne einen Plattenvertrag dahinter. Die Kritiker sind hin und weg und das Quartett hat sich in den letzten Jahren sprichwörtlich den Arsch abgespielt, um eine weltweit treue Fangemeinde aufzubauen. Und dies, wie gesagt, alles ohne Label, denn von diesem wurde die Band nach dem mangelnden Erfolg des 2005er Debüts Exits ziemlich schnell fallen gelassen. Seitdem kämpft diese Band sicher öfters mal ums finanzielle Überleben, weshalb man die Arbeit, die The Boxer Rebellion in die Eigenverbreitung ihrer Musik steckt auch nicht hoch genug würdigen kann. Ein trauriger Zustand, welcher sicher auch symbolisch für dutzende Bands weltweit im Anbetracht der aktuellen Situation der Musikbranche steht. Das würde natürlich alles nur wie pathetisches Gewäsch klingen, wenn die Band nicht diesen wundervolle Argument, nämlich ihre herzerweichende Musik, in der Hinterhand hätte. Auf dem bereits Ende 2008 aufgenommenen Union perfektioniert die Gruppe ihren melodischen Breitband-Rock noch einmal und schafft 11 kleine Meisterwerke. Darunter auch das traumhafte Soviets, eine wunderbare Hymne für die Ewigkeit. Großspurige Power-Songs, wie Spitting Fire gelingen in dieser Perfektion selbst den Großen der Szene eher selten. Die Balladen Misplaced oder The Gospel Of Goro Adachi zeigen die Band vielseitig, feinfühlig und mit einem wahnsinnig guten Gespür für Melodien. Und zu These Walls Are Thin kann man sogar ein wenig die Beine wackeln. Emotionale Hymnen, die in dieser Form momentan nur die wenigsten hinbekommen. Die Gitarrenwände sind kilometerhoch und die Stimme von Nathan Nicholson möchte die ganze Welt umfassen. Dies führt zu den bewegensten und ehrlichsten Momenten, welche ich dieses Jahr auf einem Album hören durfte. Es macht absolut keinen Sinn, dass diese Band nicht langsam in der Größenordnung von Snow Patrol oder den Editors spielt. Denn sie hat eigentlich alles, was man braucht. Nur noch keine Plattenfirma. Vielleicht brauchen sie die auch nicht und werden so zur Sperrspitze einer neuen Bewegung von Independentbands. Die Zukunft ist jedenfalls wieder offen für die jungen Musiker und ich hoffe doch, da kommt noch eine ganze Menge mehr auf uns zu.
Anhören: Flashing Red Light Means Go, Soviets, Spitting Fire, These Walls Are Thin

04. Pet Shop Boys Yes

Ein paar alten Haudegen halte ich ja gern die Treue, einfach, weil sie mich musikalisch schon seit Ewigkeiten begleichen, wenngleich ihre Karrieren ja alle vor meiner Geburt begannen. Und 2009 war eines dieser Super-Release-Jahre, wo alle mal wieder ein Album rausbrachten. Und während Depeche Mode, U2 und New Order (letztere unter anderem Namen) irgendwie leicht unter den Erwartungen blieben, erfüllten sie die von mir geliebten Pet Shop Boys am Ende nicht nur, sondern übertrafen sie noch. Nach 25 Jahren im Pop-Business, all den Ups-and-Downs und all der Skepsis, die ich im Vorfeld der Veröffentlichung von Yes hatte (immerhin waren Xenomenia, die Produzenten der Sugababes am Start)... wer hätte gedacht, dass Neil Tennant und Chris Lowe noch einmal so ein Wurf gelingt? Alle Zweifel wurden mit dem phänomenalen Love etc. weggewischt, der besten PSB-Single seit irgendwann in den 90ern. Darüber hinaus sorgten Musikpresse (Danke, liebe SPEX-Nerds), Feuilleton, Brit Awards, sowie alte und neue Fans dafür, dass man nach all den Jahren des peinlichen Verschweigens wieder mit erhobenen Haupt zu den Hohepriestern des Elektropop stehen konnte. Zum einen, weil die Zeit wieder reif war und musikalische Trendsetter wie La Roux, die Killers oder Lady Gaga sich offensichtlich am Edelpop der 80er orientierten und somit auch wieder Platz für die Originale war. Zum anderen, weil dieses Album am Ende genau das ist, was der Titel ankündigt. Yes ist Euphorie-Plaste-Pop, hoffnungslos melodieverliebt, manchmal auch naiv und gerade dadurch in seiner Konsequenz, Schönheit und Eingängigkeit fast schon eine rebellische Ansage gegen die Musikwelt. Doch in Krisenzeiten flüchtet sich die Menschheit bekanntlich gern in den Schein. Dieser wird serviert als Kombination von Intelligenz und Tiefsinnigkeit auf den altbekannten Elektrobeats. Dennoch klingt dies alles eine Spur konsequenter, als in den letzten Jahren. Kein schwacher Song findet sich auf Yes, dafür jede Menge Hits. Neben der Single natürlich noch das famose All Over The World, ein wieder einmal verschenkter Hit des Duos. Beautiful People spielt sich mit schönem Streicher-Arrangement durch die 60er, die romantische Ballade King Of Rome erinnert an alte Behaviour-Zeiten, während Pandemonium dann noch mal Gas gibt und das sich anschließende ruhige The Way It Used To Be sicher einer der spannendsten und emotionalsten Pets-Songs der letzten Jahre ist. Neil Tennant und Chris Lowe zelebrieren einmal mehr die Unwiderstehlichkeit des Pops. Und das ist natürlich alles recht oberflächliche Musik, die in erster Linie unterhalten und im Kopf stecken bleiben will. Aber das tut sie leider auf unnachahmliche Art und Weise. Yes ist natürlich auch kein Paradebeispiel dafür, wie Pop 2009 klingen sollte, denn da sind die beiden seit einigen Jahren schon nicht mehr der beste Ansprechpartner. Sie machen das, was sie machen... eine eher unscheinbare Alternative zum Mainstream-Pop, der sich diesem aber dennoch nicht vollständig verweigert. Irgendwie zwischen den Welten, wenn ihr mich fragt. Vielleicht wird dies kein Album für die Ewigkeit werden, aber der Haken auf dem Plattencover könnte halt genauso gut ein Ausrufezeichen sein. Die Pet Shop Boys sind zurück und bleiben sicher noch ein paar Jahre am Ball!
Anhören: Love etc., All Over The World, Pandemonium, The Way It Used To Be

03. Bat For Lashes Two Suns

I will rise above now and go about the city... Diese Stimme, diese wunderbare Stimme! In dem Moment, als Natasha Khan beginnt die ersten Zeilen von Glass zu singen, stellen sich mir stets die Nackenhaare auf. Der darauffolgende Trip ist eine Reise in die Nacht, voller Dunkelheit und Gefühl. Mit ihrem Zweitwerk Two Suns wächst Khan mit ihrem Projekt Bat For Lashes noch einmal ein ganzes Stück. Ein intensives Hörerlebnis getragen von einer elfengleichen Stimme und einer geheimnisvollen und atmosphärischen musikalischen Untermalung. Egal, ob es das düstere Brodeln von Glass oder Siren Song ist oder der entspannte Groove der Singles Sleep Alone, Pearls Dream oder halt Daniel... stets erzeugen die Songs eine ganze eigene düstere Atmosphäre getragen von Khans teils zerbrechlichen aber auch durchaus kraftvollen Vocals. Und in den intimen Momenten von Balladen wie Moon and Moon, dem wirren Two Planets, sowie dem wundervoll morbiden Ausklang The Big Sleep erreicht diese Musik ungeahnte Kräfte. Als ob Khan nicht von dieser Welt wäre, sondern uns auf einen Trip durch das Weltall mitnimmt. Sagen ja auch schon die Songtitel. Das funktioniert auch deshalb so gut, weil Bat For Lashes stets die Balance zwischen Kunst und Pop meistert, wie es sonst nur wenigen Platten gelingt. Die Melodien sind teils offensichtlich, teils versteckt, manchmal muss man auch einfach das Gesamtbild auf sich wirken lassen. Anders als ihre isländische Kollegin Björk verrennt sich Natasha Khan dabei auch nicht allzu sehr in irgendwelchen Klangspielereien, sondern lässt stets Raum für die Songs an sich. Laute Momente wechseln sich mit zerbrechlichen Passagen ab. Das Chaos der Künstlerin wird in der Musik wiedergespiegelt. Es fallen mir eigentlich auch keine Worte mehr ein, um dieses Album besser zu beschreiben. Two Suns ist ein ziemlicher Volltreffer, gleichermaßen geheimnisvoll, wie unglaublich eingängig und dabei voller düsterer Magie. Der Text zu diesem Album bleibt deshalb so kurz, weil ich einfach nicht mehr schreiben kann. Ich spreche eine uneingeschränkte Kaufempfehlung über dieses Werk aus und lege es jedem Menschen ans Herz, der auf gute, ehrliche und emotionale Musik steht. Wenn die Sirenen singen, kann man sich ihren Rufen halt nur schwer entziehen. Also einfach keine Furcht haben, sondern sich von der Sirene Khan einfach mit in die Tiefe ziehen lassen.
Anhören: Sleep Alone, Moon And Moon, Daniel, Siren Song, Travelling Woman

02. Editors In This Light And On This Evening

Ständig in Bewegung, ohne Rücksicht auf Verluste. Nach ihrer erfolgreichen Langzeittour zum Album An End Has A Start hatten die Editors erst mal die Schnauze voll, die Editors zu sein. Im Studio suchte man nach neuen Impulsen und einem Sound abseits des zuletzt ausgetretenen Stadionrock-Pfades. Die neuen Ideen fand man schließlich im Synthesizersound der 80er-Jahre. Der Depeche Mode-Vergleich drängt sich also nicht nur auf, weil Produzent Flood schon mit besagter Band zusammenarbeitete. Ungewohnt ist das Ganze am Anfang jedoch schon. Eine treibende Sequenzer-Basslinie trifft auf Tom Smiths düstere Liebeserklärung an seine Heimatstadt London, sowie auf breite Synthieflächen, die uns direkt in die 80er mitnehmen. Bereits dieser erste Song kreiert eine bedrohliche, aber durchaus vertraute Atmosphäre, die bestimmend ist für den Rest des Albums. Die Dunkelheit ist nämlich nach wie vor der liebste Spielplatz der Band um Tom Smith und gibt dem Licht im Gegensatz zum Vorgänger wenig Charme. So umweht In This Light... ein morbider, düsterer Geist. Die Bassläufe sind düster und treibend, die Drums mechanisch und die Synthies symbolisieren gleichzeitig Kälte, wie auch Wärme. Mit Präzision kreieren sich die Editors ein neues Bild und begeistern abermals. Die Grundprinzipien bleiben. Tom Smith fleht mit starke Stimme über das Übel der Welt. Verzweiflung, Zerrissenheit und andere Themen sind nach wie vor präsent. Die Songs sind ebenfalls schwer melodieverliebt. Da gibt es natürlich offensichtliche Hits, wie die Single Papillon, das melodieverliebte Like Treasure oder der düstere Stampfer Eat Raw Meat = Blood Drool. Das sind die Melodien, die man von den Editors seit Jahren kennt. Große Songs, die nach außen wollen. Aber auch die introspektive Seite wird bspw. mit dem verschrobenen The Bix Exit bedient. Statt aus Gitarren werden die Soundwände mittlerweile halt aus Analogsynthies gebaut. Dieser Schritt ist der beste, den die Editors in ihrer jetzigen Situation gehen können. Der radikale Soundwechsel muss geschehen, damit die Band interessant bleibt. Der ständige Entwicklungsprozess gehört zum Wesen der Band, fordert aber vom Hörer eine gewisse Bereitschaft, sich den dunklen Pfaden anzuschließen. Doch gleichzeitig spricht das Quartett aus London so auch eine ganze Menge neuer Fans an. Segen und Fluch gleichermaßen. Die Erfolgskurve zeigt weiterhin nach oben und das obwohl die Band den Pop nicht wirklich auf In This Light And On This Evening erzwingt, sich aber ihm auch, wie gewohnt, nicht verstellt. Am Ende ist der Trip mit 9 Songs vielleicht ein wenig zu kurz, aber gelohnt hat sich die Reise in die Nacht dennoch. Das Drittwerk der Editors ist atmosphärisch sehr intensiv und weißt kaum merkliche Schwächen auf. Die Richtung, in die sich die von mir sehr geliebte Band entwickelt ist spannend und lässt für die Zukunft hoffen. Wenngleich man davon ausgehen kann, dass auch Album Nr. 4 wieder deutlich anders klingen wird. Nur eines wird wohl bleiben: Die Liebe zur Dunkelheit!
Anhören: Papillon, The Boxer, Like Treasure, Eat Raw Meat = Blood Drool

01. The XX The XX

Was soll ich eigentlich noch zu diesem Album schreiben, was nicht schon in zig Musikmagazinen und Blogs auf der ganzen Welt geschrieben wurde? Post-Punk 2.0? Der Soundtrack zur Finanzkrise? RnB trifft New Wave? Irgendwie alles schon einmal gehört. Am Ende ist das selbstbetitelte Debüt von The XX das Album, auf das sich alle irgendwie einigen konnten. Der Geheimtipp, der mittlerweile kaum mehr einer ist. Ich schließ mich ja solchen Hypes eigentlich ungern an. Außer Schall, Rauch und ein paar seltsamen Frisuren ist da oft nichts dahinter. Und dennoch stehen The XX am Ende auch bei mir an der Spitze der Hitliste für dieses Jahr. Weil es musikalisch das Album ist, welches mich, wie kein zweites in diesem Jahr überrascht und gefesselt hat. Die Kunst der Reduktion schafft dabei eine unglaubliche Atmosphäre. Puristischer gehts gar nicht. Kurzer Bandname, der gleichzeitig auch Albumname ist und natürlich ein Cover, welches lediglich von einem X verziert wird. Das Quartett aus London entfaltet eine düstere Schönheit mit den einfachsten Mitteln. 2 Gitarren, ein Bass und getriggerte Beats ausm Drum-Computer sowie ein paar leichte Elektroversatzstücke reichen aus, kombiniert natürlich mit unglaublichen Hits, die eigentlich alles sein wollen, nur nicht eben solche. Und obwohl die in Sachen Optik und Bühnenpräsenz nach wie vor auf Schülerbandniveau ist, bewegt sie musikalisch so viel. Es wirkt dabei fast so, als ob die düstere Verzweiflung und Grundstimmung der frühen Cure und Joy Division eine Art Frischzellen erlebt. Und der Vergleich zum RnB kommt nicht von ungefähr. Besonders wenn Romy Madley Croft mit ihrer wunderbaren Stimme das Mikro ergreift und damit einen fragilen und durchaus gelegentlich sinnlichen Soul und eine ehrliche Wärme in die Musik bringt, wie man sie auf den ersten Blick nicht erwarten würde. Dazu kommt noch Wechselgesang mit Bandkollege Oliver Sim, der einen ganzen eigenen Reiz ausübt. Sim stellt sozusagen das düstere Gegenstück zu seiner Mitstreiterin dar. Oft wirken die Songs dabei wie Dialoge. Es sind introvertierte Liebeslieder in düsteren Zeiten, welche mit den Thematiken Geborgenheit und Isolation spielen. Die Musik ist traurig und melancholisch, erlaubt sich aber immer wieder Momente der Hoffnung und Wärme. Diese Balance trägt das Album und rührt das ein oder andere Mal in den richtigen Momenten zu Tränen. Ich möchte gar nicht besondere Songs herausgreifen, denn alle sind für sich gesehen eine kleine Meisterleistung. Und natürlich kann man der Band ankreiden, dass sie mit der Reduktion auch Langeweile schafft bzw. aus einer guten Songidee ein ganzes Album zaubert... doch entweder stellt man diese Hauptargumente der Kritiker selber fest oder man sieht es halt anders und erkennt die Atmosphäre hinter dem Muster. Allen Kritikern und auch allen Fürsprechern zum Trotz hinterlässt The XX bei mir ein so unglaublich gutes Gefühl nach dem Anhören, dass ich mich wirklich ärgere, dass es nach nicht mal 40 Minuten schon vorbei ist. Wer sich für diese urbane Pop-Romantik nicht begeistern kann, muss es auch nicht. Aber 2009 war für mich kein Album überraschender und berührender als dieses. Und deshalb steht es hier und sich seinen Platz in meinem Herzen längst erspielt. Mal sehen, wer dies im nächsten Jahr so schafft. Ich wünsche allen einen Rutsch, sowie einen hoffnungsvollen Start ins neue Jahrzehnt.
Anhören: Crystalized, Islands, Shelter, Night Time, Stars

PS: Und für alle, die das nochmal auf einem Blick haben wollen, gibt es die gesamten Top 50 nochmal hier zum Nachlesen.

Lieblingsalben 2009 / Platz 10 - 06

rhododendron — 2009-12-28T15:01:00Z

10. The Rifles Great Escape

Manchmal kann man machen was man will, aber es läuft einfach (fast) alles schief. In den letzten 12 Monaten konnten die Rifles bezüglich der Beziehung zu ihrer Plattenfirma ein Liedchen davon singen. Immer wieder wurde das Zweitalbum verschoben, zwangsumbenannt und umstrukturiert. Geleakt ist es schon 2 Monate vor dem Release und diverse Singles wurden erst angekündigt und dann wieder kurzfristig gestrichen. Es wirkte man fast so, als wollte man das eigene Produkt am Ende sabotieren. Anfang 2009 ist das Album Pavement Diaries dann endlich erschienen, nur dass es am Ende Great Escape heißen sollte. Denkbar schlechte Vorraussetzungen, zumal sich die Rifles behaupten müssen um nicht als eine von vielen dieser UK-Hype-Bands der letzten Jahre in die Geschichte einzugehen. Da können zweieinhalb Jahre Wartezeit nach dem Debüt schon ne ziemliche Ewigkeit sein. Doch glücklicherweise kann man von musikalischer Seite Entwarnung geben: Great Escape ist ein hervorragendes Album geworden, das zwar mit einigen Schwächen zu kämpfen hat, die der phänomenale Vorgänger No Love Lost nicht hatte, aber hey wir jammern hier auf sehr hohem Niveau. Bereits der Opener Science In Violence macht mit aller Wucht deutlich, warum die Rifles auch 2009 zur vorderen Front britischer Gitarrenbands gehören. Das außerordentliche Gespür der Band für eingängige Melodien und Harmonien ist ihnen in all dem Trubel nicht abhanden gekommen. Doch nicht nur die Form dieser wunderbaren Popsongs gefällt, sondern auch ihr Inhalt. Die Rifles verstehen sich ganz in der Tradition von Bands wie The Jam und erzählen in ihren Songs Geschichten und Wahrheiten über das Leben. Egal, ob der Wunsch des Ausbrechens (The Great Escape), die Tristesse des grauen Alltags (Toerag), die Liebe (Winter Calls) oder das Resümieren über die Vergangenheit (Out In The Past) die Texte von Sänger Joel Stoker sind wundervoll, gerade weil er sie in seiner selbstverständlichen Lässigkeit erzählt, aber dabei stets Gefühl in seiner Stimme hat. Die Songs an sich gehen einen Weg, den die meisten Bands mit ihrem zweiten Album einschlagen: Die Musik wirkt konsequenter, durchdachter und aufwendiger. Sprich: Auch auf Great Escape erliegen die Rifles der Versuchung des leichten Überproduzierens. Dabei wirken Keyboards und Streicher bei Great Escape genauso wenig störend, wie das Bläserensemble beim virtuosen The General. Aber teilweise wirkt es nach etwas zuviel des Guten, zumal Stokers Stimme gerade bei letzterem Song zu kämpfen hat. Ansonsten ist der Großteil der Songs aber wieder auf extremen Hit-Niveau. Egal ob zackig (Science In Violence, Fall To Sorrow), melodiös (History, Winter Calls) oder gar akustisch (For The Meantime)... die Rifles beherrschen ein breit gefächertes Britpop-Repertoire. Dennoch bleibt größte Problem dieses Albums und seiner Songs am Ende ironischerweise der Vorgänger No Love Lost. Dieses war schlichtweg zu perfekt (Platz 13 in meiner Jahrzehntliste). 12 Superhits, auf den Punkt gebracht, genau in der richtigen Balance zwischen Punk und Pop und zu einem Zeitpunkt, als das alles musikalisch noch richtig frisch war. Ob sies wollen oder nicht daran wird die Band sicher immer messen lassen müssen und das wird sie vielleicht nie wieder erreichen. Wenn man das akzeptiert, kann mit Great Escape jede Menge Spaß haben. Auch 2009 bleiben die Rifles ein großes Ausrufezeichen im Britpop! Songs voller Energie und Melodie mit wundervollen Texten, mitten aus dem Leben gegriffen. Eine Band, die es verdient, gehört zu werden. Sicher auch auf dem nächsten Album. Und bis dahin sollte man mal über das Wechseln der Plattenfirma nachdenken.
Anhören: Science In Violence, The Great Esacpe, Out In The Past, The General

09. Maxïmo Park Quicken The Heart

Was für eine Dekade für Maximo Park. 3 Alben, 3 Volltreffer. Ja, auch dieses ist einer! Und das, obwohl wir hier vom berühmten schweren dritten Album (welches auch nicht schwerer, als das zweite ist) sprechen. Da müssen sich solche gehypten Bands, wie die Jungs um Paul Smith ja bekanntlich beweisen. Brennt das Feuer noch oder kochen wir schon auf Sparflamme? Revolution oder Resignation? Fragen über Fragen. Und die Antworten? Die finden wir in der Musik und die sollten wir sprechen lassen. Im Gegensatz zu anderen Vertretern des selben UK-Jahrganges scheint das Motto der fünf Mannen aus Newcastle aber Konstanz zu sein. Während sich die Kaiser Chiefs in die Belanglosigkeit und Bloc Party in die weiten Welten der elektronischen Experimentierfreudigkeit verabschiedet haben, bleiben Maximo Park bei dem, was sie am besten können: Zackiger Indie-Pop-Rock mit Hang zur Intelligenz und zur Tanzfläche. Diesen Spagat schafft die Band auch auf Quicken The Heart spielend leicht, was ja auch keine Selbstverständlichkeit ist. Natürlich ist das nicht, wie beim Debüt wo sich einem die Megahits gleich aufdrängen. Eigentlich sinds sogar recht wenige diesmal. So kann sich nach dem ersten Hören von Quicken The Heart schon mal ein Gefühl von Gleichgültigkeit einstellen. Ja nett, irgendwie. Aber auch nix Neues. Letzteres stimmt strenggenommen, aber das dritte Album der Band lebt auch davon, dass es seine Hits nicht sofort offenbart. Sicher, wir hätten da das famose A Cloud Of Mystery und das zackige Calm, sowie das versteckte, aber glanzvolle Questing, Not Coasting, aber ansonsten? Ansonsten sagen die Songs erstmal nicht viel, doch wenn man ihnen Zeit gibt, ihren nicht so offensichtlicheren Melodien und Smiths eindringlichen Vocals mit den tollen Texten zuhört, dann entfalten sie ihre heimliche Schönheit. Der sperrige Opener Wraithlike z.B., oder das schnittige Lets Get Clinical. Und die Single The Kids Are Sick Again ist sicher kein zweites Apply Some Pressure oder Our Velocity, aber spätestens am Schluss erkennt man die bandtypische Hymne! Und natürlich gibts auch Ausfälle auf dem Album gabs auf den anderen beiden ja auch, selbst wenn das irgendwie nie einer sagt. Aber richtig schlecht sind auch Songs wie Tanned oder In Another World nicht. Austauschbar wirkt die Musik halt manchmal, denn da fehlt noch der letzte kleine Rest, der das ganze wirklich perfekt. Aber das ist ja auch nicht so leicht, besonders wenn man sich als junge Band in einer schnelllebigen Musikwelt immer an den Vorgängerwerken messen lassen muss. So gesehen ist Quicken The Heart sicher das schwächste Album der Band, aber andererseits müssen wir uns dabei auch mal vor Augen führen, auf welchem Niveau wir hier den Qualitätsabsturz beklagen. Alles in Allem hat diese Band immer noch dieses gewisse Etwas, das sie sehr interessant macht. Das Charisma von Paul Smith spielt dabei eine genauso wichtige Rolle, wie die Fähigkeit Ohrwürmer zu produzieren und sich dabei auf das Wesentliche zu verlassen: Intelligente Popsongs, die Geschichten in weniger als vier Minuten erzählen können. Keine großen, experimentellen Epen, sondern reduziert auf das, was zählt. Ein wenig hat man dabei aber am Ende, dass da noch viel mehr gehen kann, spätestens auf Album Nr. 4 muss es das ja auch. Aber für 2009 haben Maximo Park ihre Schuldigkeit getan. Intelligenter Indierock, der immer noch funktioniert, selbst wenn die Welle mittlerweile längst abgeebbt ist.
Anhören: The Penultimate Clinch, The Kids Are Sick Again, A Cloud Of Mystery, Questing, Not Coasting

08. Jamie T Kings & Queens

Spätestens seit dem guten alten A-Team wissen wir, dass es unverzichtbar ist, auf Mr. T und seine Ratschläge zu hören. Statt denen eines muskelbepackten Afroamerikaners mit Irokesen-Schnitt und Geldkettchen bevorzuge ich aber lieber die Erzählungen eines jungen weißen Klappergestells aus England. Der Überraschungserfolg von Jamie Ts 2007er Debüt-Album Panic Prevention hat sicher einige Leute verblüfft, den Künstler selber vermutlich am meisten. Über Nacht wurde aus dem damals 21jährigen Jamie Alexander Treays die viel gehypte Rettung des britischen Pop. So wurde das Debüt ein wilder Genre-Mix irgendwo zwischen Punk, Pop und Hip Hop, welches seinen Wohnzimmer-Produktions-Charme nie versteckt hat und gerade deshalb in Sachen Authentizität punkten konnte. Jamies schroffe Art über die eigenen Worte zu stolpern tat sein übriges dazu. Zwei Jahre wurde die Erfolgswelle geritten und gleichzeitig ein Nachfolger gezaubert. Nun ist Kings & Queens da und es ist ein echter Volltreffer geworden. Jamie spielt seine Stärken einmal mehr aus. Und das ist primär die Tatsache, dass er ein verdammt guter Songwriter ist mit dem richtigen Gespür für die richtigen Wörter, Reime und musikalischen Ideen. So perfektioniert der junge Lad seinen Sound auf Kings & Queens, denn man merkt hier deutlich, dass er einiges in Sachen Musik und Produktion dazu gelernt hat. Die Stimme klingt kräftiger und versucht sich mehr denn je an Melodien und richtigen Tönen, die immer noch recht prägnanten Samples werden von wesentlich mehr echten Instrumenten unterstützt und generell wirkt das alles viel ausgereifter und konkreter. Natürlich geht Jamie damit der Amateurcharme ein wenig verloren, aber darüber sollte man sich nicht wirklich wundern. Denn das Potential, welches schon beim ersten Album zu erkennen war, wird durch das Bekenntnis zu mehr Pop letztendlich einfach entfesselt. So begeistern wahnsinnig schwungvolle Hits wie Hocus Pocus oder Castro Dies genauso wie die treffsicheren Singles Sticks n Stones oder Chaka Demus. Und immer wieder ist man überrascht, wohin die Reise denn mit dem jeweils nächsten Song geht. So ist Emilys Heart eine traumhaft traurige Akustikballade und Earth, Wind & Fire klingt am Ende fast so, als hätte selbige 70s-Band den Blues für sich entdeckt. Dabei scheint Jamie keine Grenzen zu kennen, was die Genres angeht. Pop, Rock, Hip Hop, Elektronik, Folk, Soul... hier findet sich alles quer durcheinander und absolut kurzweilig aufgearbeitet wieder. Eine bunte Pop-Wundertüte. In all dem Genremix bleibt Jamie T nach wie vor allem eines: originell und authentisch. Denn niemand singt so schön über die Reue nach dem Fremdgehen, Schlägereien in der Nachbarschaft und überschwänglichen Alkoholkonsum, wie der junge Mann aus Wimbledon. Eben gerade, weil er trotz Training nie der beste Sänger der Welt werden wird. Aber das muss er ja auch nicht. Die Musik von Jamie T gewinnt so schon auf ganzer Strecke. Kings & Queens ist eines der spannendsten, kurzweiligsten und vor allem vielseitigsten Pop-Alben dieses Jahres und qualifiziert Herrn Treays endgültig für das A-Team der Popmusik.
Anhören: Hocus Pocus, Sticks N Stones, Emilys Heart, Chaka Demus, Earth, Wind & Fire

07. Doves Kingdom Of Rust

Die Doves aus Manchester wurden ja gern mal im Atemzug mit ihren lokalen Kollegen und auch Freunden von Elbow genannt. Nachdem diese im letzten Jahr in der Heimat den endgültigen Durchbruch erlangten, dachte ich eigentlich das Trio könnte nachziehen und mit Kingdom of Rust ein zweites Seldom Seen Kid raushauen. Na ja, vielleicht etwas übertrieben. Einigermaßen sind die Doves ja, wenngleich sie außerhalb von England nach wie vor ein Geheimtipp bleiben. So hat man sich auch beim vierten Album in diesem Jahrzehnt wieder viel Zeit gelassen. Seit 2006 hat man sich ins Studio eingeschlossen und seitdem nichts mehr von sich hören lassen. Was sie denn da ausbrüteten blieb lange Zeit im Dunkeln. Am Ende ist Kingdom Of Rust ein typisches Doves-Album geworden, was aber natürlich ein Qualitätskriterium darstellt. Auch 2009 bleiben die Doves immer noch eine Ausnahmeerscheinung in der Musiklandschaft. Ihre sphärischen, manchmal auch etwas abstrakten Breitwand-Britpop-Hymnen präsentieren sie seit einer Dekade auf konstant hohem Niveau und dabei irgendwie immer vertraut, wenngleich es immer auch irgendwie etwas anders klingt. Auch Kingdom of Rust vermittelt von Beginn an dieses Gefühl, in der Musik und dem Sound zuhause zu sein, wenngleich Teile davon immer noch überraschen dürften. So gibt sich das Trio auf dem vierten Longplayer nach dem gradlinigen und reduzierten Vorgänger Some Cities wieder etwas experimentierfreudiger. Bereits der Opener, das pulsierende Jetstream nimmt einen mit auf eine spannende Reise und zeigt, dass die Band wieder mehr mit ihren Madchester-Rave-Wurzeln liebäugelt. Eine Discoplatte ist Kingdom Of Rust selbstverständlich nicht geworden. Denn schon der Titeltrack an zweiter Stelle drosselt das Tempo und präsentiert sich als traumhafte, große Popballade mit Ohrwurmqualitäten und voller zerbrechlicher Schönheit. Auch der Rest des Albums bietet wieder ein breites Spektrum. Die 2. Single Winter Hill ist ein qualitativ hochwertiger Formatradiosong im Stile von Snowden oder Catch the Sun, während Hymnen wie The Greates Denier oder Spellbound ausladend sind und das elektrische Compulsion eher experimentell groovend daher kommt. The Outsider baut ordentlich Druck auf, während Birds Flew Backwards hingegen ein wenig an seelige Lost Souls-Zeiten erinnert. Und immer wieder ist es die warme Stimme von Jimi Goodwin, welche einen vertraut durch die Songstrukturen führt. Wie immer gibt es ein stimmliches Wechselspiel mit Zweitstimme Andy Williams, der seinen Job auch wieder hervorragend macht. Das Zusammenspiel beider Vokalisten ist seit jeher ein Markenzeichen der Band und entfaltet seine Größe besonders bei sämtlichen mehrstimmigen Momenten. Das ist großes Pathos-Gestikulieren mit viel Gefühl und noch mehr Melodie. Ein Album alter Schule sozusagen. Und natürlich erreicht auch Kingdom Of Rust nicht die Genialität des 2002er Meisterwerks The Last Broadcast, aber das stellt sich vermutlich eh als unlösbare Aufgabe dar. Das neue Doves-Album lässt viel Raum für Spannung und Experimentierfreude, lässt aber die klassischen Songstrukturen nicht außer Acht. Dazu gibt es jede Menge zu entdecken elektronische Kleinigkeiten hier, verzerrte Gitarren da, spannende Effekte, Klänge und Gesänge, die sich einem halt nicht sofort erschließen. Es ist also wirklich irgendwie alles beim Alten bei den Doves. Arbeitsauftrag erfüllt! Aber mehr will ich auch gar nicht. Wenn mich ein Produkt über Jahre immer wieder so begeistert, dann muss es sich ja nicht zwangsläufig verändern. Und wenn mich die Band am Ende mit dem traumhaften Lifelines aus diesem Album entlässt, dann weiß ich, dass ich wieder einmal wunderbare Musik anhören durfte. Ein Privileg, welches uns die Band hoffentlich auch noch lange weiter bescheren wird.
Anhören: Jetstream, Kingdom Of Rust, The Greatest Denier, Spellbound, Lifelines

06. Ladyhawke Ladyhawke

Ehe hier gleich wieder ein Statistikfreak dazwischenfunkt, wie der Absinhter oder so Ja, mir ist vollkommen bewusst, dass das Album Ladyhawke von Ladyhawke bereits Ende Semptember 2008 in ihrer neuseeländischen Heimat erschienen ist... und wenig später auch in England. In Deutschland ist das ganze Album aber erst im März 2009 offiziell erschienen. Ja und so was ist halt immer mein Kriterium. Nur die wenigsten werden vom dem Werk in den letzten drei Monaten des Jahres 2008 überhaupt Notiz genommen haben. Wenn nicht, dann verbessert mich gern, aber am Ende ist Ladyhawke mein Platz 6... für 2009, versteht sich. Und für alle, die es noch nicht mitbekommen haben: In diesem Jahr hat sich die zyklische Bewegung der Musikhypes von den Männern mit Schrammelgitarren endgültig wegbewegt und wir sind wieder mitten drin im 80er-Retro-Pop, an dessen Spitze ja jede Menge Frauen mit Keyboards stehen. Und mit einem L beginnen... Lady Gaga, La Roux, Little Boots... nun also auch Phillipa Brown aka Ladyhawke. Die Welt ist wieder einmal bereit für Synthiespielereien, Saxophone, Chorgesang und Discobeats. Glücklichweise sind die Schulterpolster und schlechten Fönfrisuren diesmal nicht mehr dabei. Das hittauglichste Album dieser ganzen Retro-Bewegung ist das von Brown. Ladyhawke selbstbetiteltes Debütalbum ist eine massive Ansammlung genialer Retropopsongs mit geradezu kriminell hohem Eingängigkeitsfaktor. 13 astreine Popsongs auf einem Album, keine Ausfälle, dafür aber jede Menge Songs, die sich bei jedem Hörer, der eine halbwegs ausgebildete Popaffinität hat schon nach dem ersten Hören im Kopf festsetzen werden. Musik, die leider problemlos in Indie-Disco und Formatradio laufen können. Glücklicherweise hat es das Album hierzulande nicht in Letzteres geschaff. My Delerium und Better Than Sunday sind ausnahmslose Superhits, genauso wie das bereits bekannte Paris Is Burning, der pulsierende Opener Magic oder das schöne Crazy World. Ach, und da gibts noch mehr... Manipulating Woman, Dusk Till Dawn... so viel einfach. Die Rezeptur ist bekannt Drums mit Hall, extra breite Analog-Synthies, fette Disco-Bassläufe, Jingle-Jangle-Gitarren, die Johnny Marr nicht besser spielen könnte und eine Protagonistin, die ihre unwiderstehlichen Popmelodien mit voller Harmonie dahin schmettert. Wonach klingt das? Kim Wilde? Die 80er-Genesis? Na, oder die üblichen Verdächtigen, wie New Order? Auf jeden Fall nach dieser Art von Musik, die man von früher kennt, also, wenn man schon die 25 hinter sich gelassen hat, wie ich. Ist das nun alles gut oder schlecht? Kommt drauf an, von welchem Standpunkt man es betrachtet. Innovationstechnisch und musikalisch ist hier nichts neu, stellenweise ja sogar recht dreist abgekupfert. Aber allein die Detailverliebtheit, mit welcher Ladyhawke den Sound jener Ära für 2009 reproduziert verdient da Lob. Das hier ist Pop as Pop must be. Glücklicherweise beschränkt sich Ladyhawke nicht nur auf Synthies, wie bspw. La Roux, so dass dieser Sound organischer und druckvoller klingt, als jener der Konkurrenz. Das eigentlich Faszinierende an diesem Album ist die unglaubliche Hitdichte und Eingängigkeit der 13 Popsongs, die erstaunlicherweise auch nicht so schnell auf den Geist gehen, wie andere Popsongs. Wer auch nur halbwegs ein Gespür für Popmusik hat, der darf dieses Album nicht übersehen. Vielleicht interpretier ich da auch eine ganze Menge rein, aber zumindest meinen Popgeschmack trifft dieses Werk ausnahmslos.
Anhören: Magic, My Delirium, Better Than Sunday, Back Of The Van, Paris Is Burning

rhododendron's ranking ... 52/ 2009

rhododendron — 2009-12-27T12:53:00Z

So, das Weihnachtsfest ist vorbei und schon sind wir schon am Ende des Jahres angelangt. Bzw. am Ende des Jahrzehnts sogar, wenn wir mal etwas dramatischer sein wollen. Und somit gibt es diese Woche auch das letzte offizielle Ranking für 2009, nächste Woche wird es an dieser Stelle dann das offizielle Best-Of-2009-Ranking geben. Seien sie gespannt. Für diese Woche gibt es aber noch mal satte drei Neueinsteiger. Sonst ist um die Jahreswende ja eigentlich nie so viel los. Auf Platz 7 gibt es direkt mal die neue Single von Simian Mobile Disco, diesmal mit schwergewichtiger Unterstützung von Beth Ditto. So viel Support hat Adam Young aka Owl City wohl gar nicht mehr nötig. In Amerika geht der gute Mann mit seinem schrulligen Indietronic-Pop gerade durch die Decke und auch hierzulande findet Fireflies langsam den Weg Richtung MTV oder Formatradio. Trotz dieser gefährlichen Entwicklung störtt mich die Nummer noch nicht wirklich und kann deshalb einen ehrenwerten Platz 10 einnehmen. Auf Platz 12 können Tocotronic übrigens noch Plätze zulegen. Ihr seht... wir freunden uns an. Eine alte Freundin ist auch Uffie, die nach Jahren des Umherirrens und Partymachens zeigen will, dass da musikalisch noch mehr drin ist, als nur das it-Girl der französischen Elektroszene zu sein. MCs Can Kiss heißt die schmucke neue Single, natürlich von Mr. Oizo himself produziert. Vielleicht wird das ja jetzt langsam mal was mit der Popkarriere und 2010 wird ein gutes Jahr für sie. Na ja, wir warten erst mal ab. Das wars für heute. Ich wünsche nen guten Rutsch und wir sehen uns dann wieder hier im neuen Jahr.

01.( 01 / #3 ) Delphic Doubt
02.( 03 / #3 ) 30 Seconds To Mars Kings And Queens
03.( 05 / #2 ) Hot Chip One Life Stand
04.( 02 / #4 ) Pet Shop Boys All Over The World
05.( 04 / #5 ) Vampire Weekend Cousins
06.( 07 / #2 ) Kent Hjärta
07.(NEW/ #1) Simian Mobile Disco feat. Beth Ditto Cruel Intentions
08.( 06 / #8 ) Girls Lust For Life
09.( 09 / #5 ) Depeche Mode Fragile Tension
10.(NEW/ #1) Owl City Fireflies
11.( 08 / #6 ) The Drums I Felt Stupid
12.( 16 / #2 ) Tocotronic Macht es nicht selbst
13.( 12 / #2 ) Ash Arcadia
14.(NEW/ #1) Uffie MCs Can Kiss
15.( 10 / #7 ) Yeasayer Ambling Alp
16.( 14 / #4 ) Le Corps Mince de Françoise Something Golden
17.( 11 / #8 ) Muse Undisclosed Desires
18.( 13 / #10) Florence And The Machine Youve Got The Love
19.( 15 / #3 ) These New Puritans We Want War
20.( 17 / #9 ) Ellie Goulding Under The Sheets

Lieblingsalben 2009 / Platz 15 - 11

rhododendron — 2009-12-26T14:32:00Z

15. Arctic Monkeys Humbug

Wenn gar nix mehr geht, geht immerhin noch die Wüste. Zumindest für manche Bands. Schon U2 haben sich damals da bei Joshua Tree ein paar neue Ideen holen können. Nun also auch die Arctic Monkeys, die größte britische Musikentdeckung des Jahrzehnts. Na ja, wenn man der Presse halt glauben schenken darf. Auf dem sehnsüchtig erwarteten Drittwerk der britischen Senkrechtstarter wird die konsequente Entwicklung der vergangenen Jahre fortgesetzt. Leichte Mitsing-Songs, wie auf dem Debüt sucht man auf Humbug vergebens. Die Dunkelheit und das geheimnisvolle, welche die Band bisher textlich öfters herüberbringen konnte, bekommt nun endlich das musikalische Gewand. So bietet Humbug zehn schrullige Anti-Hits, sich mit allerhand Psychodelic-Anleihen tief in die 60er wagen und dennoch hochmodern klingen. Zwischendurch schaltet man gern auch mal einen Gang herunter, wie beim traurigen Cornerstone oder dem düsteren Dance Little Liar, dem versteckten Highlight der Platte. Dann wirds aber auch mal richtig laut, es gibt Gitarrensoli und Metal-Momente. Es wirkt so, als ob Produzent Josh Homme es endlich geschafft hat, den Sound der Monkeys nach außen zu kehren. Jener Sound, der schon immer irgendwie an bestimmten Stellen durchblitzte und nun endgültig nach vorn rückt. Ach, sie sind so schnell erwachsen geworden, unsere vier Monkeys. Mit dem locker-leichten Teenager-Debüt Whatever People Say... hat das alles nichts mehr zu tun. Das wirkt mittlerweile eher wie der eigentlich Fremdkörper in der Discography. Humbug ist nicht das Werk von vier jungen Lads, sondern von hochmusikalischen jungen Männern. Es klingt nach dem Sand der Wüste, dunklen Nächten und vernebelten Bars. Westernromantik, wo es eigentlich gar keine gibt. Melodien, die eigentlich gar keine sind und Refrains, die man halt immer erst suchen muss. Dafür spielt die Band hervorragend, stellenweise geradezu virtuos auf. Die haben was drauf und Humbug ist der endgültige Beweis dafür. Vermutlich springen nun all die Fast-Food-Indie-Kids teilweise ab, aber das muss man in Kauf nehmen um nicht als Eintagsfliege zu gelten. Die Arctic Monkeys spielen schroff und kantig gegen ihre eigene Legendenbildung ab. Und während die oft zum Vergleich gezogenen Oasis damals bei Album Nr. 3 im Größenwahn und Drogenkonsum versanken, punkten die Herren um Alex Turner lieber musikalisch. Das schöne an Humbug ist wirklich, dass man es sich immer wieder anhören kann, ohne dass es schnell nervt. Gelegentlich entdeckt man auch neue Facetten und Ideen, welche man in dieser Form noch nicht gehört hatte. Eine rundum gelungene Neudefinition. Mal schauen, was da die nächsten Jahre noch so um die Ecke kommt.
Anhören: My Propeller, Crying Lightning, Cornerstone, Dance Little Liar

14. White Lies To Lose My Life

Also um das gleich mal von Beginn an festzuhalten: das Debütalbum der White Lies ist weder eine Offenbarung noch eine musikalische Revolution. Im Gegenteil: hier werden uns diverse Versatzstücke aus bekannten musikalischen Anleihen der letzten Jahre präsentiert. Ein bisschen Editors hier, etwas Killers dort. Na ja, und da muss man natürlich Zwangsläufig die 80er mit dazunehmen. Klingt auch teilweise gern mal nach den Tears For Fears. Letztendlich sind die White Lies eine Art glattgebügelte Ausgabe des Post-Punkt-Wave-Revivals. Das ganze funktioniert aber dennoch sehr gut, weil es die zehn Songs auf To Lose My Life halt faustdick hinter den Ohren haben. Tolle Songs, kaum Ausfälle. Die Band spielt mit dem düsteren Charme vom 80er-New-Wave und erzeugt so allerhand Popsongs zum Thema Tod, Verzweiflung, Abschied und so weiter. Immerhin heißt der Eröffnungstrack ja auch Death. Der Titeltrack, sowie Farewell To The Fairground gehen ordentlich nach vorn, während sich andere Nummern wie For The Stars oder Nothing To Give eher einer ruhigen Atmosphäre bedienen. Aber ich mag ja so darken 80er-Kram. Die treibenden Drums, der vibrierende Bass und die zackigen Delay-Gitarren halt. Und dazu besitzt Sänger Harry McVeigh auch noch eine dieser flehenden Stimmen, die von ganz tief düster bis hoch flehend jede Menge Spektren abdecken können. Fans der oben genannten Bands können also Spaß an dem Trio aus London haben. Was letztendlich eine höhere Platzierung und einen Stellenwert wie bspw. den der Editors bei mir verhindert hat, ist die Tatsache, dass To Lose My Life wirklich sehr stark auf Hochglanz poliert ist. Die fehlenden Ecken und Kanten nehmen natürlich etwas von der Atmosphäre weg, zumal McVeighs Texte teilweise wirklich etwas reißbrettartig daher kommen. Im Prinzip hätte etwas weniger von allem dem Album durchaus gut getan. Aber so ist es halt, was es ist und mir solls recht sein. Ein kurzweiliges, sehr eingängiges Poprock-Album mit einem schön düsteren 80er-Einschlag und einigen recht großen Hits. Wer also, wie ich ein Fabel für Musik in diese Richtung hat, dem sollte das Werk nicht entgangen sein. Ansonsten bitte mal nachholen.
Anhören: To Lose My Life, E.S.T., From The Stars, Farewell To The Fairground

13. Depeche Mode Sounds Of The Universe

Kultbandalarm! Mit regelmäßigen Abstand melden sich die alten 80er Hautdegen und persönlichen Favoriten von mir, Depeche Mode mit einem neuen Album zurück. Diesmal waren es nur 3einhalb Jahre, die seit dem erfolgreichen Playing The Angel ins Land gezogen sind. Was hat uns diese Band eigentlich nach fast 30 Jahren noch zu erzählen. Nun, nicht mehr sooo viel. Depeche Mode sind eine gut funktionierende Firma, die aber, und das muss man ihnen lassen, ihr Handwerk versteht. Und da die bekloppten Fans eh jeden Release dreimal kaufen, herrscht bei Dave Gahan, Martin Gore und Andy Fletcher längst kreative Narrenfreiheit, welche sie auch bei Sounds Of The Universe wieder ausleben. Universe ist eine konsequente Weiterentwicklung der letzten Alben und schließt sich nach dem durchwachsenen eher Exciter von 2001 an. Der hier zelebrierte Retro-Klang beruht auf dem verstärkten Einsatz von alten Analog-Synthesizern, die sich zu einem großen Ganzen zusammenfügen und ein Klangbild erzeugen, welches immer wieder Akzente aus vergangenen DM Phasen aufweist. In Sympathy klingt nach Exciter, während Hole To Feed Ansätze von Violator beinhaltet oder das Instrumental Spacewalker direkt als Outtake aus dem Jahr 1982 durchgehen kann. Und obwohl wie beim Vorgänger wieder Ben Hilliar an den Reglern saß, klingt Sounds Of The Universe wesentlich klarer, kompakter und vor allem besser. Der Retro-Sound wird hier nicht erzwungen, sondern wirkt ganz natürlich, als hätten Band und Produzent endlich verstanden, wie man miteinander umgehen muss. Die Songs ordnen sich stärker dem Gesamtklang unter, als bisher, was aber vollkommen okay ist. Denn die Songs sind zwar keine durchgängigen Meisterwerke, wie zur Hochphase der Band, aber dennoch durchgängig hochwertig, diesmal wieder mit stärkeren Gospel- und Blueseinflüssen. Der flehende Opener In Chains regt einen zum Mitklatschen an, Little Soul fleht noch im Dunkeln, während In Sympathy anschließend das Licht rein lässt und dies schließlich in Peace, einem der bisher wohl optimistischsten Songs der Band und einem wunderbaren Zusammenspiel von Gahan und Gore mündet. Die Band hat ihren Frieden gefunden, auch mit sich. Und über was sollen sie auch noch schreiben, wenn sie eigentlich alle Laster, Drogenskandale und Streitigkeiten der letzten Jahre mittlerweile abgelegt haben? Die drei zufriedenen und millionenschweren Familienväter müssen der Welt nichts mehr beweisen. Also lautet die Motivation zum Weitermachen wohl nur nach Spaß und das entwickeln neuer Idee. Live vielleicht nicht mehr, da liefern Depeche Mode mittlerweile eine überraschungsarme Las-Vegas-Show ab. Aber im Studio sucht man noch nach neuen Impulsen. Ein Blick in die Studio-Making-Ofs bestätigt diesen Eindruck. Also arbeiten Depeche Mode weiterhin daran, ihre Musik weiterzuentwickeln, neue Elemente einzubauen und vor allem die Akzente etwas anders zu setzen. Natürlich wirkt die reduzierte Version von Come Back, welche man schon auf der Homepage anschauen konnte, eingängiger, aber die verzerrten Gitarrenwände auf dem Album untermauern die Verzweiflung in Gahans Flehen und bringen eine spannende Dissonanz ins Popgerüst. Sounds Of The Universe ist vermutlich immer noch nicht das große Alterswerk der Band, aber sie kommen einem solchen Album wieder näher und es macht Hoffnung, dass diese Band auch jenseits der 50 noch eine großartige Musikmomente schaffen kann. Und wenn nicht, dann erwischen sie hoffentlich den richtigen Moment zum Abtreten. Verdient hätten sie es sich ja schon längst.
Anhören: In Chaines, Wrong, In Sympathy, Come Back, Jezebel,

12. Röyksopp Junior

Röyksopp wurden 2009 zehn! Auch nicht schlecht, denn mit nur 3 Alben in dieser Dekade hat das norwegische Elektroduo ordentlich Eindruck hinterlassen. Und als ideales Geburtstagsgeschenk gibt es gleich Junior auf dem die Band ihren Stellenwert in Sachen Elektronische Musik noch mal ordentlich unterstreicht. Das Duo liefert uns hier echt tollen Elektropop ab, mit viel Atmosphäre und Melodien. Während der Opener, das lustige Happy Up Here noch eher zum Schmunzeln einlädt, folgt gleich im Anschluss mit der Robyn-Kollaboration The Girl And The Robot ein anständiger Elektro-Superhit, der ordentlich zum Tanzen einlädt! Und Robyn ist nicht der einzige weibliche Feature-Gast. Natürlich ist Karin Dreijer Andersson aka Fever Ray wieder dabei, welche uns durch das wunderbar tanzbare Pop-Märchen This Must Be It, sowie das wirre Tricky Tricky leitet. Und Lykke Li ist auch dabei. Und die wundervolle Anneli Drecker, die auf der tollen Ballade You Dont Have A Clue ihr können unter Beweis stellt. Ja, Röyksopp wissen, wie man die skandinavischen Pop-Ladies anlockt. Wie immer durchzieht das ganze Album ein Hauch von Melancholie, mal mehr tanzbar, mal weniger. Der knarzende Groove von Vision One ist typisch Röyksopp, während ruhigere Instrumental-Tracks wie Röyksopp Forever oder Silver Cruiser Röyksopp von der Seite präsentieren, die man auf den ersten Alben an ihnen schätzen gelernt hat. Hier wird mal wieder gezeigt zu welcher Musikalität elektronische Musik fähig sein kann. Mit dem ruhigen Lounge-Debüt Melody A.M. hat das nicht mehr so viel zu tun, denn Röyksopp haben sich dem Pop zugewendet und wollen zeigen, was man alles feines damit anstellen kann. Junior hat eine ganz eigene Atmosphäre und besonders das Zusammenspiel aus den elektronischen Spielereien und den sehr gut ausgewählten weiblichen Gastsängerinnen weiß hier zu gefallen. Außerdem passiert hier unentwegt an allen Ecken und Enden etwas. Nein, diese Jungs (mitsamt ihren Mädels) haben es echt drauf. Elektronische Musik kann so viel mehr sein, als nur Clubfutter und Bubblegumpop-Soundgewand. Röyksopp bleiben auch in diesem Jahr eine Ausnahmeerscheinung im Genre und begeistern mit Ideenreichtum und Abwechslung. Die Geburt von Junior ist also bestens geglückt, nächstes Jahr soll das etwas düstere und ruhigere Gegenstück Senior folgen. Ich bin sehr gespannt darauf und somit recht zuversichtlich, dass man auch noch ein 20jähriges Jubiläum feiern wird.
Anhören: The Girl And The Robot, This Must Be It, Röyksopp Forever, You Dont Have A Clue, True To Life

11. Muse The Resistance

Getreu dem alten Leitspruch von Oliver Twist, haben es sich Muse zur Aufgabe gemacht, immer ein klein wenig mehr zu wollen. Der Drang der Band, immer neue Elemente ihrem seit jeher ausladenden Alternative Rock hinzuzufügen spornt sie seit nunmehr 10 Jahren zu immer neuen Höchstleistungen an. Der Erfolg hat sich mittlerweile auch eingestellt. Die größeren Hallen werden auch abseits der englischen Heimat voll, denn der Ruf, eine der besten Live Bands der Welt zu sein spricht sich langsam rum. Die richtigen Songs dafür haben sie eh schon immer gehabt. So geht auch das diesjährige fünfte Studioalbum The Resistance den Weg kontinuierlich weiter, den zuletzt Black Holes & Revelations eingeschlagen hatte. Die Band öffnet sich neuen Spielarten, die Produktion wird ausgereifter, der raue, wütende Zorn der Anfangstage weicht einer stärkeren Musikalität und Pop-Affinität. Das wird sicher vielen Fans der ersten Stunde nicht sonderlich gefallen, aber Muse haben sich halt weiter entwickelt, schließlich sind sie ja auch keine 20 mehr. So ist The Resistance natürlich wieder ein gewohnt pompöses, ausladendes Album geworden, welches dem uneingeschränkt sympathischen Größenwahn frönt. Nach dem thematischen Ausflug in ferne Galaxien auf dem letzten Album, geht es diesmal etwas bodenständiger zu. Aber nur etwas, denn inhaltlich gehts diesmal neben den üblichen Themen Liebe, Sex und Zärtlichkeit natürlich auch um revolutionäre und politische Umbrüche. Den gelebten Widerstand gegen was auch immer. Bereits die Single Uprising kündet davon. Im Titeltrack fleht Matthew Bellamy anschließend die Angebetete an, dass ihre Liebe ihr Widerstand gegen all den Rest ist. Ach, wie kitschig. Der Rest überrascht dann immer mal wieder. Denn mit dem lässig groovenden Undisclosed Desires präsentiert man sich erstmals vollkommen ohne Gitarren- oder Pianospiel. Herausgekommen ist ein Song, den Timbaland besser nicht hätte hinbekommen können. Urbaner Elektro-RnB inklusive sexy Text. Eine Art konsequente Weiterentwicklung von Supermassive Black Hole. United States of Eurasia gibt dann all den Leuten Recht, die Muse seit jeher als neue Queen ansehen, während sich das schwülstige Guiding Light irgendwo zwischen U2 und fiesem 80er-Schwulst bewegt. Inklusive viel Hall auf den Drums. Und immer gibts noch eine Schippe mehr. So endet The Resistance standesgemäß mit der dreiteiligen Exogenesis-Symphonie, welche noch einmal die klassisch-virtuose Seite der Band mit ihrem bekannten Gitarrensound verbindet. Gerade der finale Teil, Redemption ist ein wundervoller Ausklang, der kaum hätte besser sein können. Was soll eigentlich nach so einem Ausstand noch kommen? Muse entwickeln ihren Kunstrock konsequent weiter und betonen diesmal, auch aufgrund der erstmaligen Verwendung eines echten Orchesters, ihre symphonische Seite viel stärker. Insgesamt ein sehr stimmungsvolles und abwechslungsreiches Album, das unglaublich dick aufträgt, aber die dürfen das halt. Vielleicht fehlt am Ende noch der letzte konsequente Schritt, um es perfekt zu machen, aber man braucht ja noch Stoff für die nächsten Alben, versteht sich.
Anhören: Resistance, Undisclosed Desires, United States Of Eurasia, Exogenesis Symphony Pt. 3: Redemption

Rainbow Party - (9) Redoloris

The Fall On Deaf Ears — 2009-12-23T11:23:00Z

Das vorletzte Mal für diese Liste.
So langsam flackern alle Lichter noch, bevor beim nächsten Mal die Kerzen komplett ausgepustet werden. Aber hier schon mal ein Fivepack um sich an die Dunkelheit zu gewöhnen. Einen Lichtblick haben wir noch, ansonsten steigt die äußere Kälte in diese Zeilen und macht sich ordentlich breit.

10.) Mew - Symmetry, 2000

Danke Hanson!
Was? Hanson? Was haben denn die drei MMMbop-Brüder Isaac, Taylor und Zac damit zu tun?
Den Song Symmetry habe ich auf dem 2003er Werk Frengers der Herren Mew kennen gelernt. Allerdings wurde er bereits drei Jahre zuvor auf dem Album Half The World Is Watching Me veröffentlicht. Die Dänen haben sich hierfür Verstärkung am Piano von Klaus Nielsen und als Co-Sängerin die damals 13-jährige Becky Jarrett an Land gezogen. Und sie ist, glaube ich, auch der Grund warum ich diesen Song schon fast abgöttisch liebe.
Auch wenn der eigentliche Mew-Sänger Jonas Bjerre schon selbst eine sehr hübsche Mädchenstimme vorweist, wird er hier jedoch gnadenlos von dem Teenager aus Georgia an die Wand gesungen.
Ich bin mir nicht gerade sicher, dass mir der Song genauso gefallen würde, wenn Motörhead sich das Lied mal zur Brust nehmen würden. Denn es lebt meiner Meinung nach wirklich vor allem von Ms. Jarrett's herzzerreißend schönem Gesang.
Natürlich ist das Drumherum mit den hübsch zurückhaltenden Piano- und Gitarren-Geplänkel schon eine Wucht. Die Melodie wird wohl immer gnadenlos traurig klingen, selbst wenn es zum Poppunk von New Found Glory verwurstet werden würde. Der sich steigernde Aufbau katapultiert das alles in immer Schwindel erregendere Höhen. Das alles ist handwerklich begeisternd, hervorragend in Szene gesetzt und produziert. Und so weiter und so fort.
Eine Gänsehaut, oder zumindest Ansätze davon, bekomme ich jedes (!) Mal, wenn diese Stimme gleich zum Anfang zum ersten Mal erklingt. Den Drang die Augen zu schließen und mich forttragen zu lassen, wenn sie im Verlauf beim Schlagzeugeinsatz mit dem männlichen Gesang verschmilzt. Ein Idealfall.
Was für eine göttliche Fügung dass sich die beiden '98 im Hanson-Forum getroffen haben. Es hat meine Welt mehr als bereichert.
Danke, Hanson.

09.) Dredg - Δ, 2002

Ein Traum von einem Lied. Schwerelos. Beruhigend. Aufwühlend. Eine hervorragende Melodie. Mit warmer Stimme gesungen. Luftig produziert, obwohl es von den Instrumentalparts ziemlich kompliziert zugeparkt ist.
Natürlich sind Pauken, Klangschalen und dieser Text etwas viel des Guten. Da hat die Jungs aus Los Gatos wohl doch etwas zu sehr der Esoterik-Koller gepackt. Aber dennoch. Wunderschön. Man beachte den Schrei, wenn das Lied richtig losgeht. Kurz und erschreckend. Die krude und dennoch tragende Gitarrenarbeit davor. Das schier unfassbar breakige Drumming (gesamte Spielzeit). Der gedoppelte Gesang, wobei im Hintergrund eine raunende Stimme zu hören ist. Die Ähnlichkeit am Anfang mit Airdrop von Blackmail. Wie weit und dennoch kompakt das alles klingt. Was das für tolle Kopfhörer-Musik ist!
Und vor allem: Man höre und knie nieder vor diesem erhabendsten und erhebendsten aller denkbaren Ausbrüche, die man einem Song geben kann: Nach dem kurzen tribal-artigen Spoken Word-Teil "We live like penguins in the desert, why can't we live like tribes?" öffnen sich ab Minute vier und fünf Sekunden alle Himmel. Alle Pforten. Alle Arme. Alle Flügel. Alle Dämme. Alle Herzen.
Nicht dass man sowas nicht auch zuvor schon mal gehört hat. Die Editors oder Glasvegas bauen ganze Alben darauf auf. Aber das letztendlich so effektiv überwältigend einzusetzen ist eine wahre Kunst. Dass Dredg dies beherrschen haben sie hiermit unter Beweis gestellt.
Wahrlich himmlisch, das.

08.) Coheed And Cambria - Delirium Trigger, 2002

Coheed And Cambria ist wahrscheinlich eine der seltsamsten Bands der letzten zehn Jahre. Ihre gesamte Existenz bestand darin eine gigantische vierteilige Science Fiction-Saga namens The Bag.On.Line Adventures zu erzählen. Das ganze war auf fünf Alben konzipiert, weil der abschließende vierte Teil auf zwei LPs verteilt werden musste. Den Anfang machte der zweite Teil, dem auch dieser Song entnommen ist. Den ersten sind sie uns noch schuldig. Zwischenzeitlich hat sich die Band nämlich komplett selbst zersetzt, da dem egomanischen Sänger der relative Erfolg wohl etwas zu Kopf gestiegen ist, so dass erstmal die komplette ursprüngliche Band den Hut nahm.
Überhaupt Claudio Sanchez, was des Herrn Vokalisten, respektive Maestro grandeur, Namen ist. Ein Freak vor dem Herrn: 120 kg schwer, mit einer Friseur wie Sideshow Bob versehen, singt er mit einer sehr mädchenhaften Emostimme zu von ihm allein komponierten größenwahnsinnigen Progstücken hervorragende Popmelodien.
Das war scheinbar noch nie anders. Auch der hier vorgestellte Titel ist komplex bis zum geht nicht mehr. Schlägt Haken wo er kann, walzt immer wieder mit ordentlichen Gitarrenwänden über den Hörer drüber. Wird lauter und leiser und lauter und leiser und wieder lauter. Alles ist vertrackt und den Text muss man am besten in den großen Zusammenhang der Saga bringen. Doch etwas unterscheidet sich eindeutig von den späten wirklich größenwahnsinnigen Alben.
Das hier ist leidenschaftlich. Das hier brennt. Das hier drängt. Man hat das Gefühl als rücke einem die gesamte Band auf die Pelle, um dir den Song ins Gesicht zu schreien. Der Sound ist etwas rumpelig aber transparent.
Und Senor Sanchez singt hier meisterlich mit verteilten Rollen. Seine Interpretation einer Mädchenstimme schmeichelt sich bei mir im Herz mit großen Katzenaugen ein.
Und doch dieser Text: Es geht darum, dass die eine Hauptfigur Coheed ohne sein Wissen eine Apparatur namens Mon-Star in seine Brust implantiert bekommen hat, die ihn immer wieder ins Leben zurückholt, sozusagen unsterblich machtund gleichzeitig in eine Art Mr. Hyde verwandelt. Diese wird durch das Serum einer Libelle (Symboltier von Coheed And Cambria) zum Leben erweckt . In diesem Lied reflektiert und dialogisiert er das Leben mit dieser Chance/Last. Mal kurz gefasst. Wer's genauer wissen will, bitte hier kundig machen.
Jedenfalls: Was für ein toller Grundgedanke! Und wie toll das umgesetzt ist. Mit den sehr hübschen spacigen ruhigen Stellen und dem absolut überwältigenden Refrain "Oh dear God, I don't feel alive when you're cut short of misery ..."
Klar ist das herrlich abgedreht, aber geht dennoch mitten ins limbische System - dem Sitz der Emotionen. Der Song ist groß und hat dennoch kein Gramm Fett zu viel. Das ist durchdacht und dennoch hochemotional. Delirium Trigger ist ein Wunderwerk von Lied. Delirium Trigger ist schon lange ein Begleiter in meinem Ohr. Delirium Trigger ist songgewordene Passion.

07.) The Haunted - Hollow Grounds, 2000

Huch! Das ist ja Metal! Was hat denn das hier zu suchen?
Nun es ist einfach eines der besten Metalstücke, das ich in den letzten zehn Jahren gehört habe. Und es hat trotz Geschrei extrem Popappeal, wenn man mich fragt.
Also bitte nicht nach den typischen Metalsachen bewerten, denn von der Warte her ist es eigentlich ein schwacher Song. Viel zu langsam, viel zu abwechslungsarmes Riffing, nicht genug Hass, nicht genug Gewalt.
Und dennoch werde ich davon fortgespült. Woran liegt's?
Natürlich zuerst der Einstieg: Eine Wand von Gitarre bollert ungehindert auf einen ein. Dann: Der Gesang: Eine unglaublich gute Schreistimme! Ordentlich zerledert und dennoch dazu fähig Emotionen zu transportieren. Im Refrain mit diesem wässrigen Choruseffekt hervorragend kaschiert, dass man eigentlich keine gute Singstimme hat. Funktioniert sehr gut. Und auch das Schreien bleibt variabel - vom tiefen Growl bis zum Herz zerreißenden Gekeife ist alles am Start. Drittens dieses Grundriff, was in der Strophe und am Anfang zu hören ist. Es ist Gold wert. Erst hoch und melodiös um dann im B-Teil tief in den Tonkeller zu wandern. Das klingt massiv und dennoch eingängig. Wie eine Welle die einen erst kurz trägt und dann mit Wucht auf den Grund drückt. Aber auch die anderen Gitarrenparts sind nicht außer Acht zu lassen. Das hervorragende Alternative - Akkord - Stakkato - Spiel im Refrain. Das einfach und harmonische Solo in der Mitte. Und diese Zwischensalven bei circa 2:20 knallen einen wirklich um. Viertens der Text: Sehr nachvollziehbar beklagt sich das lyrische Ich über die Sinn- und Richtungslosigkeit seines Lebens. Und wer kann das nicht nachempfinden, dass man sich schon einmal komplett in seinem Leben daneben entschieden hat? Dass man sein Dasein und sein Tun in Frage stellen. Fragilere Gedanken als man hinter dieser harten Fassade vermuten würde. Und Fünftens: Das ganze Stück ist einfach von vorne bis hinten eine einzige massive Attacke, die einem entgegenbläst. Permanente lautstarke Beschallung, die einem keinen Platz zum Nachdenken lässt. Man wird einfach vier Minuten durchweg durchgebügelt. Oder man wird von einem Großaufgebot von 600 kg-Bullen verfolgt, wie in Pamplona. Immer weiter drauf. Immer weiter jeden frei werdenden Raum zu machen.
Dieses Ziel mit so einem kompakten und stringtentem Ergebnis zu erreichen, lässt mich einfach nur kapitulierend - also den Song liebend - zurück.

06.) Logh - Lights From Sovereign States, 2003

Stille.
Das beste letzte Lied, was man sich für eine Mixkassette vorstellen kann. Hier passiert fast nix.
Ein paar Klavierakkorde. Dazu ein paar geraunte bzw. gerade so gesungene Worte. Das alles sehr sehr langsam vorgetragen. Fertig ist das Lied. So einfach, so nachvollziehbar. Und dennoch soo intensiv. So ergreifend. So Aufmerksamkeits-absorbierend. Nichts Anderes passiert, während dieses Lied läuft.
Man unterhält sich nicht. Man arbeitet Nichts. Man berührt noch nicht mal jemand Anderes. Nein. Alles ist auf dieses Lied gerichtet.
Zumindest ist das bei mir so. Wie schaffen die Kerle das nur?
Die anderen Songs die sie so auf dem 03er Werk The Raging Sun so drauf gepackt haben, sind ja ganz nett. Traurig, düster, politisch. Ordentlich rumpelig im Klang. Aber letztendlich dennoch nix Weltbewegendes.
Aber dieser letzte Titel! Wie ein Schatz, den man am Grund des Ozeans hebt. Absolut niederschmetternd. Die Jungs haben es wirklich geschafft dieses Gefühl innerer Leere zu vertonen, dass einen ab und zu überkommt. Wenn man so nach einem Tag voller Arbeit, an der Bettkante sitzt und eigentlich nix mehr machen will und sogar zu ausgelaugt ist sich noch hinzulegen. Die Lichter um einen wirken dünkler als sonst. Der Atem geht beunruhigend gleichmäßig. Alle Mimik ist aus dem Gesicht gewichen. Man nimmt keine Geräusche mehr war. Die Gedanken ziehen vorbei, ohne sich aufzudrängen. Man ist allein. Der Kopf hängt. Und dennoch ist es kein Gefühl von Niedergeschlagenheit. Eher von Müdigkeit ohne Schläfrigkeit. Als ob Körper und Geist im Standby sind.
Genau zu diesem Zustand, auf jeden Fall, gibt es kaum ein besseres Lied. Und vor allem kein schöneres.

In dem Sinne wünsche ich mal frohe Weihnachten und ein paar besinnliche Festtage. Nächstes Mal gibt es dann das Finale grande. Mit den Top 5. Und einer Top 5 der Nebenschauplätze. Ihr werdet sehen.

Lieblingsalben 2009 / Platz 20 - 16

rhododendron — 2009-12-22T13:28:00Z

20. Girls Album

Schon blöd, wenn das Release-Timing mancher Alben nicht stimmt. Im Prinzip hätte das einfallslos betitelte Debüt der Girls aus San Francisco, Album, mein kleines Sommeralbum für 2009 werden können. Erschienen ist es leider irgendwann Ende September, glaub ich, gehört hab ichs dann Ende Oktober. Na ja, kann man nichts anderes machen, als beim Hören die Fantasie spielen lassen und sich an einen heißen Sommertag ins coole San Francisco träumen. Denn da kommt die Band her und so klingt auch die Musik. Eine Renaissance der Hippie-Musik ist ja schon eine ganze Weile angekündigt, aber die Girls ziehen die Nummer durch. Im Gegensatz zur Konkurrenz, wie bspw. MGMT verzichtet man auf unnötige Disco-Elemente und zelebriert den ehrlichen Indie-Folk. Herausgekommen ist keine innovative aber eine sehr stimmungsvolle, kurzweilige Sommerplatte, die man aber gern auch im Winter hören kann. Die Musik schwankt zwischen leichter Melancholie und Aufbruchsstimmung, vorgetragen von der leicht schrägen Stimme von Frontmann Christopher Owens. Der hat aber auch allen Grund, schräg zu sein. Kindheit und Jugend verbrachte er in einer Sekte, wo Musik, Alkohol, fesche Kleidung und diverse andere Teenager-Beschäftigungen untersagt waren. Irgendwann wurde es ihm da logischerweise zu langweilig und er holte alles in Rekordgeschwindigkeit nach und dieses Feeling gibt auch Album wieder. Ein Übermaß an Energie und Emotionen. Der Opener Lust For Life ist sowieso einer der tollsten, lebensbejahenden Songs des Jahres. Und diese Lust spürt man, gleichzeitig leidet Owens in Songs wie Lauren Marie oder dem epische Hellhole Ratrace so richtig schön. Großes Tennis. Und immer irgendwie alles ne Spur überdreht, manchmal auch bewusst schräg. God Damned nimmt man sowieso ab, dass es einfach nur mit nem Diktiergerät in einem Zug aufgenommen wurde. Auf diesem Weg schafft es die Band aber eine gewisse Atmosphäre zu vermitteln. Fast schon etwas urwüchsiges neben all dem Hochglanz Pop und all den Disco-Sachen dieses Jahr. Vielleicht hat mich das deshalb auch so fasziniert, eben weil es schön war, auch mal etwas anderes zu hören. Und weil ich vielleicht am Ende doch ein verkappter Hippie bin. Das Album der Girls zündet vielleicht nicht gleich zu Beginn und manchen mag der abgedroschene Retro-Flair schnell auf den Sack gehen, aber ich appelliere daran, dem Ganzen mal eine Chance zu geben. Ich probiers auf jeden Fall noch mal im Sommer aus. Zur Sicherheit!
Anhören: Lust For Life, Laura, Hellhole Ratrace, Headache

19. Phoenix Wolfgang Amadeus Phoenix

Wir schreiben das Jahr 2000: Neuer, frischer Pop macht sich breit, unter anderem von einer Band aus Frankreich namens Phoenix, die mit ihrem Debüt United Kritiker und Fans für sich gewinnt. Das Jahr 2009: Phoenix legen ihr viertes Album Wolfgang Amadeus Phoenix und erreichen damit einen ganz neuen Level. Der Pop ist der gleiche, aber die Zeiten haben sich geändert. Denn zwischen 2000 und 2009 irrten Phoenix fast ein Jahrzehnt herum. Zum einen änderte sich die Musiklandschaft deutlich und kantiger Indie-Rock war gefragt, zum anderen liefen sie den Hits hinter. Etwas perspektivlos, so dass man schon fast von einem kleinen Comeback reden kann. Wolfgang Amadeus Phoenix ist das beste Album der Band und hier stimmt alles. Zum einen haben sich die Zeiten geändert und die Masse ist endlich bereit für den französischen Edelpop und zum anderen schafft es die Band ein Album ausnahmslos mit Superhits vollzupacken, die dann glücklicherweise außerhalb der Indie-Clubs und Festivals keine geworden sind. 2009 war ihr ja. Und nächstes Jahr geht man sogar bei den Grammys ins Rennen. Es kann aber auch nicht schief gehen, allein dieser Hattrick zu Beginn... Lisztomania, 1901, Fences. Die Songs sind sicher jedem noch halbwegs im Ohr. Damit ist man schon auf der Gewinnerspur und so geht das die ganze Zeit weiter. Das lange epische Love Like Sunset lädt zur musikalisch entspannten Reise ein, während Lasso im Anschluss gleich wieder nach vorn geht. Ein Album das Spaß macht, Gute-Laune-Pop, der handwerklich und songtechnisch super gemacht ist und alles nur nicht einfallslos ist. Fast hätt ich das unglaublich tolle Rome vergessen, dass es immer noch schafft, mich mit einem tollen Aufbau und einem wundervollen Text zu Tränen zu rühren. Perfektion in Pop-Form. Ansonsten fällt das Album vielleicht eine Spur ab in der zweiten Hälfte, aber nur gaaaanz wenig. Und es ist viel zu kurz. Warum war da kein Platz mehr für noch 2,3 weitere Songs? Vielleicht hatten die Franzosen ihr Pulver schon verschossen. Glaubt man aber gar nicht, wenn man bedenkt, wie einfach ihnen der Rest von der Hand ging. Dabei klingt Wolfgang Amadeus Phoenix überhaupt nicht neu oder innovativ, es klingt tatsächlich wie Phoenix die letzten 10 Jahre klangen. Nur sind die Songs besser und die Zeit eine andere. Beharrlichkeit zahlt sich halt am Ende doch aus. Und so bekommen sie halt zum einen all die alten Fans, wie mich zurück, die nach United die Lust verloren hatten und gleichzeitig lernt sie eine ganz neue Generation kennen. Alles richtig gemacht. So leicht kann Pop im Jahr 2009 klingen. Und jetzt bitte alle noch mal zum Schluss: Fallin, Fallin, Fallin!!!
Anhören: Lisztomania, 1901, Love Like Sunset, Lasso, Rome

18. Paul Kalkbrenner Berlin Calling - Original Soundtrack

Auch so eine Form von Hype. Diesmal sogar aus Germany! Auf einmal hören alle Kalkbrenner! Der Techno-Mann aus Berlin ist das Maß aller Dinge, wenn man dem Fußvolk glauben darf. Kultstatus erlangt hat der gute Mann durch den Film Berlin Calling, wo er, welch Überraschung, nen Techno-DJ spielt, der zu viel feiert bzw. Drogen einschmeißt und dann irgendwie noch in die Klapse kommt. Der Film ist ganz solide, den Kultstatus verstehe ich dennoch nicht. Und vermutlich haben ihn mehr Leute im Internet auf kino.to, als auf DVD gesehen. Nur so eine Vermutung! Und alle finden den Film geil, weil er so schön das relativ kranke Nachtleben der Berliner Elektroszene zeigt (Ich sach nur Afterhour morgens um Zehn) und den DJ-Alltag ein wenig beleuchtet. Beneidenswert ist DJ Ickarus im Film aber nicht unbedingt. Aber warum quatschen wir über den Film, es geht ja um die Begleitmusik. Und der darf und muss hier Platz finden, denn wenn man mal von dem einen Sasha Funke Track absieht, handelt es sich ausschließlich um Musik aus Kalkbrenners Labtop. Eine Art persönliche Best of, mit ein paar neuen Sachen und jeder Menge Neuarrangements, damit die Tracks auch zum Film passen. Das tun sie natürlich auf hervorragende Art und Weise, wie man sieht. Aber das Tolle ist, dass dies auch abseits funktioniert, eben weil es Kalkbrenner schafft nicht nur auffe Zwölf zu hauen, sondern zwischen drin Atmosphäre zu erzeugen. So ist das Album eher zweigeteilt. Die erste Hälfte mit so tollen atmosphärischen Minimalstücken, wie Azure ist entspannte Musik, die groovt. Und sie passt zur urbanen Umgebung des Films. Man kann das in der U-Bahn zum Feierabend hören, genauso wie zum Aufstehen. Man kann dazu in der Sonne liegen, Radfahren, von mir aus auch die Wohnung putzen. Qualitativ hochwertige Fahrstuhlmusik... und das soll jetzt nicht negativ klingen. Und natürlich gibt es da noch das wundervolle Sky And Sand, was dem ganzen die Krone aufsetzt. Der mittlerweile zur Hymne gewordene einzige Track auf der Platte mit Vocals ist ein wundervoll verträumtes Liebeslied, zu dem man trotzdem gern tanzen darf, aber genauso gut knutschen oder so. Auch der Text ist super. Es handelt sich wirklich um einen der besten Songs des Jahres. Macht daraus mal eine Akustikballade mit Gitarre und ihr werdet es merken. Mit der chilligen Sonnenuntergangsmusik verabschiedet sich das Album ab ca. Altes Kamuffel langsam aber sich Richtung Nachtleben. Die Tracks danach sind mehr was für die Tanzfläche um 5 Uhr morgens, wenngleich Kalkbrenner auch da gute Akzente setzen kann und vor allem Spannung erzeugt. Gerade beim großen Finale Gebrünn Gebrünn wird noch mal alles gegeben. Techno, Titten und Trompeten! Das dies mittlerweile von den übelsten Atzen bis hin zur Edeltussi jeder hat stört dann halt irgendwie, aber ein wenig kann man es schon verstehen. Gut produziert ist es schon. Und so ist es nicht nur der Soundtrack zum gleichnamigen Film, sondern er erzeugt einen ganz eigenen urbanen Rhythmus. Und entweder man sieht noch etwas mehr in der Musik oder man bleibt bei der einfachen Feststellung von DJ Ickarus in der Irrenanstalt: Das rockt!
Anhören: Aaron, Azure, Sky And Sand, Altes Kamuffel, Gebrünn Gebrünn

17. Empire Of The Sun Walking On A Dream

Mein lieber Herr Kostümverein! Also, dass muss man dem Seitenprojekt von Luke Steel (The Sleepy Jackson) und Nick Littlemore (Pnau) lassen... die ziehen die Nummer ohne Kompromisse durch. Steel war ja sowieso schon immer gern etwas stilsicherer unterwegs, aber mit Empire Of The Sun konnte man endlich alles ausleben, was man so unter Pomp-Pop versteht. Protzige Kostüme, Kunstvideos, seltsame Frisuren und unglaublich kitschige Plattencover, die an schöne alte 80er-Jahre-Filmplakate erinnern. Und dieses Jahrzehnt ist auch schon das passende Stichwort. Wenn eine Band dieses Jahr den ungebremsten 80er-Pop zelebriert hat, dann die beiden Australier. Und so waren Empire Of The Sun zur richtigen Zeit am richtigen Ort, nämlich als die Jugend dieser Welt bereit war für diese Musik. Die Kunde verbreitete sich wie im Lauffeuer und das ist erst der Anfang. The Empire marges on... Oh Yeah! Die erste Hälfte des Albums bis, sagen wir mal zum intsrumentalen Drogentrip Country ist die beste Aneinanderreihung von Popsongs, die ich dieses Jahr gehört hab. Sorry, Phoenix. Aber hier serviert uns die Band wundervolle Melodien auf einem tollen Soundteppich aus Discobeats und Akustikgitarren. Aufbruchsstimmung im mitreißenden Standing On The Shore und todsichere Pop-Hits wie Walking On A Dream und Half Mast, die 1986 sicher weltweite Nummer Eins Hits gewesen wären. Und dann wär da natürlich noch We Are The People, der schönste und tollste Popsong dieses Jahres. Was für eine Hymne! Und es ist jetzt nicht so, dass ich auf einmal auf den Kitschtrip gekommen wäre, nein... bei weitem nicht. Aber es ist schön, dass es diese Band endlich wieder salonfähig macht, solche Musik zu hören ohne dafür gleich ausgelacht zu werden. Die Zeit ist reif für Empire Of The Sun. Einzig und allein die beiden etwas schwächeren Songs The World und Swordfisch Hotkiss Night verhindern wohl bei mir eine hohe Top-10-Platzierung und der Abschluss Without You ist auch etwas sehr kitschig geraten (hier empfehle ich die viel bessere Single-Version), aber ansonsten ist Walking On A Dream wirklich tadellos. Wie ein kleiner Traum, zusammen mit ihrem Image kreiert die Band eine musikalische Fantasiewelt, in der alles so Sinn macht, wie es auch besungen wird. Warum es dazu noch keinen entsprechenden Feature-Film gibt weiß ich auch nicht richtig. Diese knallbunter Ansammlung von Retro-Indie-Pop-Rock-Whatever ist eines der kurzweiligsten Pop-Alben des ausgehenden Jahres. Und ich hab den MGMT-Vergleich bisher noch nich mal gebracht. Gut, ich find Empire natürlich besser! Geilere Klamotten. Mittlerweile spielt man auch vereinzelt live auf Festivals... mit Kostümen, Tänzern und all der ganzen Fantasiewelt. Bitte auch bald hier! Hoffentlich widmen sich die beiden in Zukunft ihrem Zweitprojekt weiterhin mit so viel Liebe! Denn die Welt braucht eindeutig mal wieder mehr Glamour und Pomp!
Anhören: Standing On The Shore, Half Mast, We Are The People, Country

16. Morrissey Years Of Refusal

Manche Leute muss man echt zu ihrer Freizeit zwingen. Stephan Patrick Morrissey beispielsweise. Seit gefühlten drei Jahren ist der gute Mann nun schon mit mehr oder weniger kurzen Unterbrechungen auf Tour. Zwischendurch gibts dann halt mal ne neue Best Of oder B-Seiten-Kollektion oder halt, wie im Frühjahr 2009 auch ein neues Studioalbum, damit die Band auch ein paar neue Tracks spielen kann. Es war kein leichtes Jahr. Konzertabsagen, Zusammenbrüche, Release-Enttäuschungen (Years Of Refusal sollte eigentlich schon im Oktober 2008 erscheinen)... alles nicht leicht. Aber ich jammere ja schon mehr rum, als der Großmeister selber. Denn das tut er auf Years Of Refusal tatsächlich weniger. Der Grundtenor lautet: Keiner liebt mich, ich komm mit der Welt nicht klar und bin Außenseite for life... aber ich hab mich damit abgefunden. Fast so scheint es, als wird der ehemalige Smiths-Star mit 50 altersmilde. Das zeigt er glücklicherweise aber kaum. Denn wo Morrissey draufsteht, ist halt auch Morrissey drin. Musikalisch gibt sich der neue Longplayer relativ flott, ein direktes Resultat aus dem jahrelangen Live-Spielen. Die Band hat das Album größtenteils direkt live mit Moz im Studio eingespielt. So ist man diesmal direkter und rockiger. Der Beginn zieht mit Something Is Squeezing My Skull und Black Cloud gleich ordentlich an Tempo an, spätere Songs wie All You Need Is Me oder One Day Goodbye Will Be Farewell gehen auch nach vorn. Mit Paris hat man dann noch die obligatorische Single-Hymne dabei. Balladen sind eher Mangelware, was dem Album aber mal ganz gut tut und sich schön ins Gesamtbild fügt. Große Gesten gibts aber trotzdem noch. Im epischen Its Not Your Birthday Anymore bspw., dem Highlight der Platte und musikalischer Beweis, dafür dass dieser Mann noch Sprit im Tank hat. Als ob er es sich selbst beweisen möchte. Am Ende stellt Morrissey dann im ultimativen Statement fest: Im OK By Myself. Egal, was ihr sagt, ich find mich okay so. Das neue Selbstverständnis des Stephan M. Überzeugender als in diesem Abschlusssong kann mans der Welt nicht verklickern. Nach dem poppigen Comeback-Werk You Are The Quarry und dem opulenten Nachfolger Ringleader Of The Torementors beendet Moz mit dem schnörkellosen Years Of Refusal seine Comeback-Trilogie aus diesem Jahrzehnt auf beeindruckende Art und Weise. Es ist nicht sein bestes Werk und man vermisst manchmal die filigrane Zerbrechlichkeit früherer Werke und wünscht der Band, sie würde nicht ganz so ruppig aufspielen, aber es kann ja auch mal etwas anders zugehen. Ja, was soll jetzt noch folgen? Er gibt sich noch 5 Jahre auf der Bühne hat er dieses Jahr gesagt. Dann kann man nur auf eine wirkliche Pause hoffen, in der er sich erholt und dann in 2,3 Jahren auf ein weiteres, vermutlich letztes Comeback noch mal vorbeischaut und sich in Würde verabschiedet. Denn nichts anderes hätte dieser große Mann verdient. Also, genieß endlich deine Freizeit! Auch ohne Frau und Steak!
Anhören:Something Is Squeezing My Skull, Im Throwing My Arms Around Paris, Thats How People Grow Up, Its Not Your Birthday Anymore, Im OK By Myself

Lieblingsalben 2009 / Platz 30 - 21

rhododendron — 2009-12-21T10:22:00Z

30. Gui Boratto Take My Breath Away
Minimal-Techno ist ein sehr streitbares Thema. Für die einen stellt sie die Perfektion elektronischer Musik und Reduktion da und für die anderen ist sie nur spannungsarme Lounge-Musik, die man lediglich unter Einnahme von diversen Drogen ertragen kann. Jedenfalls ist Minimal ja seit einiger Zeit der große Scheiß vom Prollschuppen bis zur Edeldisco. Natürlich gibts da auch jede Menge Köche, die im Brei rumkneten und dabei kommt meist immer der gleiche langweilige Brei raus. Auf Dauer nerven sogar mich die ewig gleich strukturierten Club-Tracks. Ein Glück, dass es für alles auch immer eine Ausnahme gibt. Seit einiger Zeit macht sich der brasilianische Produzent Gui Boratto auf, den Horizont zu erweitern und Musik, sowohl für den Tanzboden, als auch für die Genusshörer zu machen. Bereits das Debüt Chromophobia zeugte davon, nun geht der Nachfolger Take My Breath Away diesen Schritt sogar noch eine Spur weiter. Neben großen Club-Momenten lässt sich Boratto Zeit für entspannte Interludes und virtuose Spielereien. Gitarre und Piano werden zu den Elektrotracks hinzugefügt und ergänzen den Sound auf wundersame Art und Weise. Herausgekommen ist ein instrumentales Minimal-Elektro-Album, welches es aber spielend leicht schafft Klangbilder zu erzeugen und jeden Fan gut produzierter elektronischer Musik in den Bann zu ziehen. Borattos Stärke liegt halt auch darin, dass seine Musik nicht nur auf die Zwölf geht und brettert, sondern sich oft genug zurücknimmt. Das alles macht Take My Breath Away zu einem kleinen Gesamtkunstwerk, das ganz ungeniert mit dem Pop liebäugelt, ohne die Partycrowd aus den Augen zu lassen. Boratto ist vielseitig und talentiert. Das werden wir alle noch in den nächsten Jahren merken. Remember my words!
Anhören: Atomic Soda, No Turning Back, Besides

29. Filthy Dukes Nonsense In The Dark
Ähnlich wie Gui Boratto kommen die Filthy Dukes aus der Club-Szene. Und die Jungs haben dabei in den letzten Jahren eine erstaunliche Metamorphose hingelegt. Angefangen hat alles als DJ-Duo, bevor man zaghaft begann eigene Remixe und später auch Tracks zu produzieren. Produzent Mark Ralph stieß dann relativ schnell zu Tim Lawton und Olly Dixon hinzu und ruckzuck war aus den Filthy Dukes eine Band geworden, die sich mittlerweile vom reinen Club-Futter auch ganz offen zum Elektropop zu bekennen scheint. Das Debüt Nonsense In The Dark zeigt diese verschiedenen musikalischen Aspekte deutlich. Da gibt es reines instrumentales Clubfutter, wie Twenty Six Hundred oder You Better Stop und ein paar poppigere Tanzflächenfüller, wie die Singles This Rhythm oder Messages. Die gehen ordentlich nach vorn, keine Frage. Umso überraschender ist das Selbstverständnis des Trios zwischendurch das Tempo bewusst zu drosseln, wie beim atmosphärischen Titelsong oder beim traumhaften Dont Fall Softly. Zum Ende hin werden die Songs dann sogar immer konventioneller. Poison The Ivy ist ein wundervoller Song und beim melancholischen Schlussstück Somewhere At Sea fährt die Band noch mal richtig groß auf. Gerade die Genialität dieses Songs lässt durchaus Spannendes für die Zukunft erwarten. Hier ist eine Band, die sowohl die Ravefloors der Welt zum rocken bringen kann, als auch gleichzeitig wunderbare Popsongs schreiben kann. Nonsense In The Dark macht gerade wegen seiner Vielseitigkeit so viel Spaß. Die Filthy Dukes schaffen es, unterschiedliche Stile auf einem Album zu präsentieren. Wie gesagt, ich bin davon sehr angetan und freu mich auf die Zukunft, Lads!
Anhören: This Rhythm, Nonsense In The Dark, Dont Fall Softly, Somewhere At Sea

28. Passion Pit Manners
Pop überall wo man hinsieht! 2009 hatte keine Angst mehr vor den 80ern, vor Synthiespielerien und all dem anderen Kram. So spannend wie dieses Jahr war Pop schon lange nicht mehr. Und hier ist wieder ein musikalischer Beweis dafür: Passion Pit kamen aus dem Nichts und eroberten mit ihren elektronisch angehauchten Hippie-Pop unser aller Herzen im Sturm. Wenn Sänger Michael Angelakos zum Falsetto ausholt und die ganze Band einsteigt möchte man am liebsten nur noch über grasgrüne Sommerwiesen springen. Little Secrets ist so eine Hymne. Genauso wie das unkaputtbare The Reeling. Wir alle haben uns lieb, wir tanzen und singen! Gute Laune herrscht im Passion Pit. Casio-Pop mit dem Anspruch, alle in den Arm zu nehmen. Das funktioniert natürlich so gut, weil Songs wie To Kingdom Come oder Sleepyhead einfach auch sehr gut sind. Oder das nicht zu unterschätzende Swimming In The Flood, meinen heimlichen Favoriten des Albums. Und immer wieder Na Na Na und ganz viel Mehrstimmigkeit. Das ist natürlich nicht für alle Lebensbereiche geeignet, aber wenn das Leben einem mal wieder böse mitspielt ist dieses Album sicher eine gute Ablenkung. Positive Energie halt! Vielleicht ist es am Ende eine Spur zu überladen, selbst für jemanden wie mich, der Pomp und Pop ja gerne Hand in Hand gehen sieht. Aber vermutlich bin ich da einfach nicht Hippie durch und durch. Zusammenfassend kann man sagen, das Manners ein sehr vielseitiges und toll gemachtes Popalbum geworden ist, welches einige der schönsten Ohrwürmer dieses Jahr hervorgebracht hat. Und alle, die mal die Möglichkeit bekommen, die Kombo live zu sehen, denen empfehle ich dringend, dies zu tun. Das geht auch ohne bunte Blumenwiese oder bewusstseinserweiternde Mittelchen ziemlich ab bei den Jungs.
Anhören: Little Secrets, The Reeling, Swimming In The Flood

27. Mew No More Stories Are Told Today...
Okay, der Vollständigkeit halber gebe ich an dieser Stelle nochmal den kompletten Titel des dritten Mew-Albums an: No More Stories/Are Told Today/I'm Sorry/They Washed Away//No More Stories/The World Is Grey/I'm Tired/Let's Wash Away. Kapiert? Wer so einen Titel für ein Album wählt, der gibt sich nicht mit kleinen Brötchen zufrieden. Die Dänen von Mew waren ja noch nie eine solche Band. Da wollte man immer mehr und das hat meist auch ganz gut funktioniert. Der 2005er Vorgänger And The Glass Handed Kites mit seiner konzeptuellen Geschlossenheit musste aber als Messlatte herhalten. Über große Strecken funktioniert No More Stories auch hervorragend. Gerade der Beginn mit so tollen Songs wie Introducing Palace Players, Beach und Repeaterbeater ist vollends gelungen. Danach verliert die Band mit ihrem üppigen Kunstpop allerdings ein wenig den Faden. Man verheddert sich in halbgaren Ideen und Konstrukten und die Interludes sind auch eher unnötig. Mit Hawaii, Tricks und dem wundervollen Abschluss Sometimes Life Isnt Easy bekommt die Band am Ende, wohl auch dank tollem Kinderchor noch einmal die Kurve. Doch zwischendrin sind da ein paar Schwachstellen, die es auf den früheren Alben nicht unbedingt gab. Aber ich meine, wir jammern hier trotzdem auf sehr hohem Niveau, versteht sich. Mew sind nach wie vor eine kurzweilige Ausnahmeerscheinung und verstehen es den Hörer immer wieder mit neuen Ideen zu überraschen. Der Entdeckergeist der Band ist dabei gleichzeitig Segen, wie Fluch, denn so muss man sich halt immer wieder toppen und verändern, um den eigenen Ansprüchen und denen der Hörer zu genügen. No More Stories übertreibts einfach gelegentlich etwas und dabei hat die Band das doch gar nicht nötig. Also beim nächsten Album bitte wieder auf die Songs fokussieren und gern auch mal wieder einen kürzeren Albumtitel wählen. Dann ist auch im Jahresabschlussranking wieder Raum nach oben.
Anhören: Beach, Repeaterbeater, Silas The Magic Car, Sometimes Life Isnt Easy

26. Kent Röd
Wo wir gerade schon mal in Skandinavien sind weiter nördlich beheimatet sind Kent. Und fragt man die Menschen in Schweden und seinen Nachbarländern, dann muss man die Band niemanden mehr empfehlen. Seit Jahren sind Kent die größte Band des Landes. Die ganze Geschichte, warum es außerhalb von Skandinavien nie geklappt hat und die Band es auch nicht mehr versuchen will, ist ja mittlerweile bekannt und man kann die auch hier an zig Stellen auf Nobono nachlesen. Widmen wir uns also dem neuen Album Röd. Auf diesen macht die Band genau dort weiter, wo der 2007er Vorgänger Tillbaka Till Samtiden aufgehört hatte. Melancholisch waren ihre Popsongs ja schon lange, aber seit einigen Jahren verschlägt es die Band stärker in elektronische Gefilde. Nach einem recht spooky Chor-Intro gibt Taxmannen den Weg vor. Brummende Bässe, Disco-Beats und Synthie-Pop an allen Enden, wenngleich die Gitarren natürlich nach wie vor präsent sind. Genauso wie die unnachahmliche Stimme von Frontmann Joakim Berg. Röd bietet wie der Vorgänger viel Licht und Schatten. Eine Songs sind wieder unglaublich verzichtbar, andere versprühen diesen Zauber, durch den ich Kent damals lieben gelernt habe. Hjärta ist so einer. Und das unglaublich tolle Schlussstück Det finns inga ord. Ein richtig großer Moment ist das. Zwischendrin gibts dann auch mal interessante Songs wie Ensamheten, welches rein akustisch beginnt, nur um sich dann zu einer astreinen Clubhymne aufzutürmen. Das rockt schon. Kent machen keinen Hehl aus ihrer Vorliebe für Depeche Mode und Co. Leider hat Röd das gleiche Problem, wie der Vorgänger. Es hat zu viele Schwachstellen, die Songs dümpeln teils vor sich hin und verschenken Potential. So wundervoll der Refrain von Hjärta auch ist, so nichtssagend sind die Strophen des Liedes. Ich möchte der Band auch nicht in ihre Ideen reinreden, aber gerade Det finns inga ord beweist am Schluss, das Kent immer noch dann am besten sind, wenn sie sich auf den Song und die Emotionen konzentrieren und sich nicht hinter Disco-Beats und Sequenzern verstecken. Es bleibt zu hoffen, dass sie sich dies in der Zukunft mal wieder bewusst machen, um das nächste Album nicht wieder wie eine Kopie des Vorgängers klingen zu lassen. Eine Deutschland-Tour würde mich aber auch milde stimmen ;-)
Anhören: Taxmannen, Hjärta, Ensamheten, Det finns inga ord

25. Julian Plenti Julian Plenti ... is Skyscraper
Solo-Alben sind ja ein beliebter Zeitvertreib für Musiker, wenn die Hauptband gerade mal Pause macht. Joe Goddard von Hot Chip hat dieses Jahr bspw. eine gemacht, Jónsi von Sigur Rós hatten wir ja schon im Ranking und Kele Okereke von Bloc Party will uns nächstes Jahr allein etwas auf die Ohren geben. Und Paul Banks beantwortete uns dieses Jahr die Frage, was denn eigentlich von der kongenialen Band Interpol bleibt, wenn man seine Mitstreiter. Daniel Kessler, Carlos Dengler und Sam Fogorino wegnimmt? Richtig: Sein Alter Ego Julian Plenti! Und so vergleicht man das Debüt des Mannes mit Pornonamen natürlich automatisch mit dem bisherigen Schaffen der Band aus New York. So anders klingt es nämlich gar nicht. Only If We Run, Fun That We Have und gerade Games For Days könnten in der Form wirklich direkt von der Hauptband stammen. Wozu also dieses Album? Nun, Banks kann aber auch anders. Besonders die reduzierten, akustischen Momente, wie der Titeltrack oder das wundervolle On The Esplanade zeigen die stärken, die er bei Interpol eigentlich nie ausspielen kann. Plenti und Gitarre reichen aus um eine Gänsehautstimmung zu erzeugen. Und auch andere Tracks, wie der Madrid Song oder das verschwommene Girl On The Sporting News sind durchzogen von jener berühmten melancholischen und düsteren Grundstimmung, welche man mit dieser unverwechselbaren Stimme halt in Verbindung bringt. Banks Soloalbum funktioniert gerade in den Momenten, wenn er versucht, nicht wie sein Hauptarbeitgeber zu klingen. Dann macht dieses ganze Werk besonders sinn. Eine düstere und traurige Spielwiese für einen kreativen Mann. Die musikalische und atmosphärische Dichte von Interpol wird dabei natürlich selten erreicht, aber das war ja auch nicht Sinn der Sache. Insgesamt eine sehr kurzweilige Platte, die hervorragende Einblicke in das Können von Banks gibt.
Anhören: Only If We Run, Games For Days, On The Esplanade

24. La Roux La Roux
Ich glaub, es ist eigentlich gar nicht möglich über das Pop-Jahr 2009 zu reden und dabei La Roux außen vor zu lassen. Ich meine, welche Musikzeitschrift und welcher Blog macht das schon? Sogar im Rolling Stone Magazine stand was drin. Hallo? Na jedenfalls ist Elly Jackson das Mädchen der Stunde. Synthiepop-Stilikone. Tonnen von Haarspray im roten Haar sei Dank. Und natürlich Produzent Ben Langmaid, der unsichtbaren Phantom-Hälfte des Duos. Mittlerweile haben die beiden auch hierzulande das Formatradio anvisiert. Das war aber auch abzusehen, immerhin ist das selbstbetitelte Debütalbum eines der kurzweiligsten Popwerke des ausgehenden Jahres. Vor allem, weil die Hits stimmen. Passenderweise sind die vier Singles Quicksand, In For The Kill, Bulletproof und Im Not Your Toy die großen Überhits des Albums. Unwiderstehliche Ohrwürmer. Da hat jemand bei der Plattenfirma mal was richtig gemacht. Aber auch der Rest kann sich sehen lassen. Alles klingt sehr stimmig und passend, selbst ruhige Nummern wie As If By Magic oder Reflections Are Protections. Das Problem, und das haben letztendlich die meisten Popplatten dieses Kalibers, ist natürlich die mangelnde Eckigkeit, mit welcher man den Hörer auf Dauer leicht nerven kann. Das ist natürlich keine besonders tiefgründige Musik, deren Halbwertszeit vermutlich in den nächsten Jahren ordentlich sinken wird. Oder vielleicht auch nicht. Was unterm Strich bleibt ist sehr eingängiger Hochglanz-Retro-Pop, den Erasures Vince Clarke nicht hätte besser produzieren können. Ein weiteres Plus ist auch Jacksons Stimme, welche durch ihre markante Kraft aus dem Meer an Popstimmchen herausraget. Und so trägt diese Stimme die kleinen Popsongs auch über manche Ideenlosigkeit hinweg. Alles dabei, was ein Hitalbum also braucht: die richtigen Hits, gute Produktion und das formidable Charisma der eigenen Frontfrau. Ob da in Zukunft noch mehr drin ist, oder ob es sich hierbei nur um eine zufällig entstandene Zusammenkunft toller Popsongs handelt, wird man sehen.
Anhören: In For The Kill, Tigerlilly, Bulletproof, Im Not Your Toy

23. Simian Mobile Disco Temporary Pleasure
Sozusagen der umgekehrte Weg. Als aus der Indierock-Band Simian nichts wurde machten sich James Ford und James Shaw als DJ-Duo selbstständig und wechselten vom Pop in die Clubs. Danach halt der übliche Weg, den wir schon weiter oben bei den Filthy Dukes gelesen haben. Von den Remixen zur Eigenproduktion und dann ab in den Rave-Himmel. Das 2007er Debüt Attack Decay Sustain Release war hervorragend arrangierter Hands-Up-Elektro, der auch den Pop durchschimmern lies. Und dem wenden sich Simian Mobile Disco auf dem Zweitwerk nun wieder verstärkt zu. Temporary Pleasure wendet sich stärker poppigen Melodien zu und ist kein reines Club-Album mehr. Dafür sorgen natürlich auch die unzähligen Gaststars auf dem Album. Chris Keating von Yeasayer vorne weg, der mit Audacity Of Huge gleich mal einen der Club-Burner des Jahres intoniert. Aber auch der Rest kann sich sehen lassen. Jamie Lidell, Beth Ditto und Alexis Taylor von Hot Chip sind ja auch keine unbekannten Namen in Musikerkreisen. Tanzbar bleibt es aber trotzdem, wenngleich man bei Songs wie Cruel Intentions und Bad Blood halt merkt, dass sie nicht für die Tanzfläche konzipiert wurden. Bei den lediglich zwei Instrumentals 10.000 Horses Cant Be Wrong und Ambulance sieht das natürlich anders aus. Hier zeigen SMD, warum sie es live immer wieder schaffen, die Massen zu begeistern. Sounds, Produktion und dramaturgischer Aufbau: hier können sich alle Hobby-Techno-Produzenten mal ein Lehrstück anschauen. Da kommt noch der Flair des 2007er Albums auf, der Rest zeigt eher, dass die Band bereit ist, sich wieder dem Pop anzunähern. Daran muss man sich vermutlich gewöhnen. Es bleibt abzuwarten, wie sich das Ganze in Zukunft entwickeln wird. Falls es ein drittes Album gibt und dieser Weg weiter geht, steht uns Interessantes bevor. Aber von mir aus kanns auch gern wieder in die Clubs zurück gehen. Mit schön viel Disco-Nebel, Laser-Geblitze, Rave-Sirenen und gehobenen Händen!
Anhören: Audacity Of Huge, 10.000 Horses Cant Be Wrong, Bad Blood, Ambulance

22. U2 No Line On The Horizon
Schön, wenn sich ein Album auch entwickeln kann. Selbst bei mir. Und selbst bei so alten Hasen, wie den Stadionrockern von U2. Zum Release war ich von No Line On The Horizon nicht sonderlich angetan. Vielleicht auch weil Labertasche Bono immer vorher etwas anderes verlauten ließ. Stichwort Neudefinition von Rockn Roll. Ja, ja, is klar. Und die zackige Vorab-Single Get On Your Boots hat auch einen falschen Eindruck vermittelt. Am Ende klingt ein neues U2-Album nämlich immer noch nach U2. Großartige Innovation sollte man von den Männern um die 50 auch nicht mehr erwarten. Muss man ja auch nicht. Dafür hatten sie die 90er. Im neuen Jahrtausend bleibt man sich so gut es gehend treu, was halt manchmal auch Belanglosigkeit bedeutet. Dennoch schafft es No Line On The Horizon teilweise neue Akzente zu setzen und den Fokus bei U2 zu verschieben. Klar, wir haben mit Magnificent und Ill Go Crazy... gleich zwei radio- und stadiontaugliche Ohrwürmer im Gepäck. Aber bekommt so was nach 30 Jahren mal bitte selber so hin? Doch zwischendurch entpuppt sich Horizon auch als gefühlvolle Soulplatte. Das anfangs von mir als viel zu lange entfundene Moment Of Surrender habe ich mittlerweile vollends kapiert und durchschaut. Siebeneinhalb Minuten in denen die Band mit Leichtigkeit das Loslassen zelebriert und ein Bono in Topform. Selbst wenn man seiner Stimme die Brüchigkeit gelegentlich anmerkt, so wirkt dies einfach viel authentischer als in den letzten Jahren. Er hat es selber als Soul-Gesang beschrieben. Auch das wunderbar sperrige FEZ-Being Born verdeutlicht dies. Eine Art Wiedergeburt im bildlichen und musikalischen Sinn. Weniger ein Song. Auch Nummern wie White As Snow oder das traurige Cedars Of Lebanon, welches sehr reduziert und mit Bonos Sprechgesang auskommt zeigen einen wiedererstarkten Mut der Band zu neuen Methoden. Man muss ja am Ball bleiben, wenn Coldplay oder die Kings Of Leon einen den Rang streitig machen. Komplett überzeugt das Album noch nicht, auch weil sich schon wieder so austauschbare 08/15-Songs wie Stand Up Comedy und Breathe darauf verirrt haben. Aber der Ansatz ist der richtige. Natürlich werden U2 kein sperriges Alterswerk mehr produzieren, dazu sind sie zu sehr Profis. Aber wenn man so weiter macht, kann da noch ein musikalisch interessantes viertes Jahrzehnt dazukommen. Insofern sie noch Lust darauf haben. Hinterm Horizont gehts ja bekanntlich weiter. Anhören: Magnificent, Moment Of Surrender, Ill Go Crazy If I Dont Go Crazy Tonight, FEZ-Being Born

21. Yeah Yeah Yeahs Its Blitz
Anfang der 80er gabs ja mal die Disco Sucks!-Bewegung. Wer hatte die eigentlich ausgelöst? Metaler? Punks? Na ja, jedenfalls könnte man fast meinen, in diesem Jahr seine eine Indie Rock Sucks!-Bewegung gestartet. Die alten Helden haben die Schnauze voll von Gitarren. Julian Casablancas bedient sich an den 80ern und bei Gossip hat der Glamour nun endgültig Einzug gehalten. Und auch die Yeah Yeah Yeahs um die charismatische Karen O. fügen sich dem Zeitgeist, wenngleich das diesjährige Its Blitz glücklicherweise nicht wie ein neues Hercules & Love Affair Album klingt. Aber den Anspruch merkt man den Singles Zero oder Heads Will Roll schon an, während Songs wie Dull Life natürlich klassische Garagen-Glam-Rocker sind. Doch insgesamt fällt halt auf, dass sich das New Yorker Trio diesmal stärker an Synthesizern bedient, ohne dabei etwas von ihrer markanten Art einzubüßen. Die schnellen Songs sind nach wie vor ordentliche Tanzflächenfüller, durch die sich Mrs. O kraftvoll durchschreit, während die wundervollen Balladen wie immer zu Herzen rühren. Besonders das wundervolle Skeletons. Als hier die Synthieflächen einsetzen könnte das fast Filmmusik sein, finde ich. Gänsehautmomente! Auch im tragischen Runaway oder im wunderschönen Abschluss Little Shadow. Spielend leicht schafft es die Band nach wie vor zwischen der ganz großen Geste und dem einfachen Rockn Roll hin und her zu schalten, ohne das es aufgezwungen wirkt. Vielleicht einfach, weil die Musik so gut gemacht ist. Oder vielleicht weil sie einen Pionierstatus haben, den andere Bands sich erst verdienen müssen. Bezähmt sind die Yeah Yeah Yeahs noch nicht, im Gegenteil... aber sie sind bereit den nächsten Schritt zu wagen. Its Blitz funkelt an allen Ecken und Enden und punktet mit wundervollen Songs, in jeglicher Hinsicht. Wieder mal ganz großes Rockn Roll-Tennis der Dame mit ihren beiden Herren. Besser als Gossip und Casblancas sind sie ja allemal. Ob mit Disco oder ohne.
Anhören: Zero, Heads Will Roll, Skeletons, Runaway

rhododendron's ranking ... 51/ 2009

rhododendron — 2009-12-20T13:55:00Z

Ho! Ho! Ho! Weihnachten stet vor der Tür, Kinder und auch in dieser Woche gibts wieder ein Ranking. Christmas-Song-frei, versteht sich ;-) Das schönste Geschenk der Woche machen sich Delphic, die es mit der dritten Single Doubt erstmals an die Spitze des Rankings schaffen. Und auch der Protzrock von 30 Seconds To Mars gefällt mir immer noch so sehr, dass die Single um 2 Plätze steigt. Dazu beschenkt sich das Ranking noch mal mit einem ganzen Schwall Neueinsteiger. Auf Platz 5 befindet sich mit der neuen Hot Chip Single One Life Stand bereits der nächste. Ein schicker, kleiner Pop-Song, typisch Hot Chip halt. Mal sehen, ob das gleichnamige Album im Frühjahr die hohen Erwartungen erfüllen kann. Aus dem hohen Norden besuchen uns die Schweden von Kent mit neuer Single Hjärta, einem der besseren Songs aus dem neuen Album Röd. Dafür gibts Platz 7. Ein wenig habe ich die Übersicht verloren, was den tollkühnen Plan der Band Ash angeht, aller paar Wochen eine neue Single zu veröffentlichen, um das Album-Prinzip überflüssig zu machen. Stellvertretend für diese Idee gibt es auf Platz 12 die Single Arcadia, die vermutlich während ich das hier schreibe schon gar nicht mehr die aktuelle der Band ist. Muss ja auch nicht. Kurzweiliger Popsong mit schöner Pianomelodie. Ja, und dann wäre dann tatsächlich noch Platz 16. Langjährige Nobono-Leser werden sich verwundert die Augen reiben, aber ja, das ist tatsächlich die neue Tocotronic-Single. Ist das etwa die entscheidende Wende in meinem Tocotronic-Weltbild? Schafft vielleicht das neue Album Schall & Wahn das, wo zuletzt auch wieder Kapitulation scheiterte? Nämlich, mich von dieser Band zu überzeugen? Wer weiß, wer weiß Mach es nicht selbst ist schon mal ein starkes Ausrufezeichen, dass Lust auf mehr macht! Ich bin gespannt. Wünsche allen da draußen ein paar frohe Feiertage. Nächste Woche gibts hier das letzte reguläre Ranking des Jahres, bevor die offizielle Best-Of-Liste hier gepostet wird. Bitte drauf vorfreuen!

01.( 02 / #2 ) Delphic Doubt
02.( 01 / #3 ) Pet Shop Boys All Over The World
03.( 05 / #2 ) 30 Seconds To Mars Kings And Queens
04.( 03 / #4 ) Vampire Weekend Cousins
05.(NEW/ #1) Hot Chip One Life Stand
06.( 04 / #7 ) Girls Lust For Life
07.(NEW/ #1) Kent Hjärta
08.( 06 / #5 ) The Drums I Felt Stupid
09.( 08 / #4 ) Depeche Mode Fragile Tension
10.( 10 / #6 ) Yeasayer Ambling Alp
11.( 07 / #7 ) Muse Undisclosed Desires
12.(NEW/ #1) Ash Arcadia
13.( 09 / #9 ) Florence And The Machine Youve Got The Love
14.( 12 / #3 ) Le Corps Mince de Françoise Something Golden
15.( 15 / #2 ) These New Puritans We Want War
16.(NEW/ #1) Tocotronic Macht es nicht selbst
17.( 11 / #8 ) Ellie Goulding Under The Sheets
18.( 13 / #9 ) Arctic Monkeys Cornerstone
19.( 16 / #10) Julian Casablancas 11th Dimenson
20.( 14 / #6 ) Jay-Z Empire State Of Mind

Lieblingsalben 2009 / Platz 40 - 31

rhododendron — 2009-12-19T14:05:00Z

Hat der Typ eigentlich keine anderen Hobbys? Kein Sozialleben? Freunde? Geschlechtspartner oder so? Immerhin macht er einmal die Woche ja sein Ranking. Und nun hatte rhododendron auch noch das Mammutprojekt seiner 100 Alben der vergangenen 10 Jahre. Und nun noch ne Auflistung? Der Typ ist echt nicht ausgelastet.
Ich meine, ihr könnt ja gern Recht haben. Wenngleich ich natürlich gern in der realen Welt lebe. Gleichzeitig ist diese aber ständig von Musik durchflutet. In fast allen Bereichen. Und ich liebe es nach wie vor diese zu hören, zu erleben und meine bescheidene, oft unwichtige Meinung der Welt da draußen mitzuteilen. Und ich habe bisher jedes Jahr eine Liste meiner Lieblingsplatten herausgegeben, also warum sollte mich das jetzt davon abhalten. Deshalb gibts meine Lieblingsplatten 2009 nun, hoffentlich noch rechtzeitig vor Ende des Jahres, hier auf Nobono. Ganz so ausladend wie die Top 100 jüngst wirds natürlich nicht. Dazu hab ich auch unmöglich alles gehört. Das, was ich aber in den vergangenen 12 Monaten gehört habe, habe ich in eine formschöne Top 40 gepresst, die ich nun präsentieren werde. Ich versuchs außerdem leserfreundlich knapp zu halten. Also, nicht so aus- und abzuschweifen. Das Ergebnis na ja wird sich zeigen, inwieweit ich das schaffe ;-)

2009 war wieder mal ein recht spannendes und überraschendes Jahr. Viele meiner alten Lieblingsbands haben noch mal rechtzeitig vor Ende des Jahrzehnts ein Album auf den Markt gehauen. Das Ergebnis war teils erwartungsgemäß, oft auch überraschend. Wie es nun mal so ist. Und ob nun Indie-Rock tot ist und 80er Elektro-Scheiß das Ding der Stunde ist, soll jeder selber entscheiden. Hier gehts also nicht darum, ob Lady Gaga Kunst oder Trash ist (sie hat die Top 40 tatsächlich knapp verpasst) oder über andere Modeschwankungen des Jahres. Bei mir gehts wie immer um die Musik und meine Sicht auf sie. Und dies sind die 40 Alben, die ich aus diesem Jahr am ehesten empfehlen kann. Viel Spass damit zum Kommentieren sind wie immer alle herzlichst eingeladen!

40. Maps Turning The Mind
Angesichts so vieler Veröffentlichungen in diesem Jahr ist ja ein Platz 40 nicht so verwerflich, wie man im Allgemeinen denken mag. Im Falle von James Chapman aka Maps ist dies aber schon eine kleine Niederlage. Vor 2 Jahren überraschte uns hier auf Nobono das tolle Debüt We Can Create, sammelte damals allerhand Lob ein und sorgte hier mit wundervollen Zuckerbäckerpop für viel Liebe. Ich glaube, bei der 2007er-Liste gabs eine Platzierung in den vorderen Top 10. Dass es dieses Jahr nur für Platz 40 gereicht hat, liegt nur teilweise an der starken Konkurrenz. Dabei macht Chapman gar nichts großartig falsch. Im Prinzip macht er das gleiche, wie auf dem Vorgänger. Er singt butterweiche Elektropop-Balladen, die er mit massiven Synthiewänden umgibt. Viel Flächen, viel Hall, gern auch mal Chor und Glockenspiel. Von allem etwas zu viel. Und das ist vielleicht der Hauptgrund, warum Turning The Mind trotz einiger okayer Songs, bei mir nie so zünden konnte. Chapman übertreibt seine Nummer diesmal ein wenig. Er lässt jeden Song so bedingungslos im Kitsch versinken, dass es wie bei zu viel gegessenem Kuchen ist. Zuviel Süßkram verdirbt einem auf Dauer den Magen. Es fehlen die Überraschungen. Die etwas tanzbareren Stücke, wie Let Go Of The Fear sind aber irgendwie auch nicht groovig genug. Ein Album, welches sich nicht entscheiden kann, ob es tanzen oder kuscheln will. Natürlich kein Totalausfall, denn dafür gibts immer noch so schöne Popsongs, wie Everything Is Shattering. Mir persönlich sagt das romantische Gesäusel im Jahr 2009 weit weniger zu, als noch vor ein paar Jahren. Meine Geschmacksveränderung trägt vielleicht eine Teilschuld daran, aber da gehören ja auch immer zwei dazu. Gell, James?
Anhören: Let Go Of The Fear, Valium In The Sunshine, Everything Is Shattering

39. Soft.Nerd Some Keys Are Brighter Than Others
Hmm, was sagt man eigentlich zu nem Album, dessen aktiven Entstehungsprozess man in den letzten 3,4 Jahren aktiv mitbekommen hat? So ähnlich müssen sich wohl echte Künstler mit ihren eigenen Werken fühlen. Some Keys Are Brighter Than Others ist nicht mein Debüt-Album, aber dass eines jungen Mannes aus München, von dem ich mir anmaße, ihn einigermaßen gut zu kennen. Soft.Nerd heißt er in bayrischen Kreisen und seit Mai gibts sein Album. Und die Spex hats noch nicht mal gemerkt. Natürlich ist man nie ganz objektiv, wenn der beste Freund ein Album aufnimmt, aber ich kanns versuchen. Teilweise merkt man die Wohnzimmerproduktion natürlich, aber teilweise ist es auch erstaunlich, welch wundervolle Klänge diese kleine, schlecht beheizte Bude produziert. Herausgekommen ist Elektro-Pop, der seine Singer/Songwriter-Wurzeln genauso wie die Vorlieben zu Elektroclubs nie ganz verleugnet. Da ist natürlich noch viel Luft nach oben, aber wenn uns Kollege Nerd gleich zu Beginn so unwiderstehliche Hits wie Furtive Streets und Soft Colours um die Ohren haut, dann können sich manche Alteingesessenen schon mal was abschauen. Da wäre noch das schöne Instrumental Guitar At Basement oder das geniale Subito, welches es verdient hat, von der Welt gehört zu werden. Ein Album zwischen Feierlaune und Trübseeligkeit. Und immer wird herumprobiert. Am Ende hat man die blinkenden Lichter schon genossen, Junge. Der Albumcloser gewinnt zum Ende ordentlich Fahrt und geht direkt raus aus der Einsamkeit in die Punte-Pillen-Fete. Das Leben hat halt immer zwei Seiten. Für den Anfang mehr als ordentlich und deshalb vollkommen zu Recht in dieser Liste. Bin gespannt, wie das alles auf das ungeübte Ohr wirken muss. Bitte also alle kaufen, downloaden und dann hier Bescheid geben.
Anhören: Furtive Streets, Soft Colours, Subito, Flashing Lights, Boys

38. Franz Ferdinand Tonight
Ach, ich werde schon wieder so ausladend. Dabei wollt ich mich doch auf den hinteren Plätzen kurz fassen. Verdammt. Bei Franz Ferdinands Drittwerk kann ichs ja mal versuchen. Also, ich war nie ein großer Franz Ferdinand-Fan. Hat man ja vielleicht auch im Jahrzehnt Ranking gesehen. Da gabs für ihr essentielles selbstbetiteltes Debüt lediglich Platz 40. Bei mir haben andere Bands halt den Vorzug, wenngleich ich mich halt immer wieder frage, warum eigentlich. Auch beim Anhören von Tonight ist das so. Das Album ist richtig gut, und hat sogar ein paar erstaunlich einprägsame Disco-Hits am Start. Ulysses, Cant Stop Feeling, No You Girls usw. das lockt die Leute doch sicher in Scharen auf die Indie-Tanzflächen. Aber irgendwie reicht das bei mir nie aus. Und das, obwohl die vier Schotten diesmal verstärkt Elektronik in ihren Songs benutzen. Das zieht natürlich bei mir. Ich meine, was für ein Monster ist Lucid Dreams denn bitte schön? Das bratzt ja am Ende ordentlich. Alter Schotte! Nein, ihre Fähigkeit, eingängige und poppige Hits zu schreiben, haben die Franzens nicht eingebüßt. Tonight klingt frisch wie eh und je. Da will jemand noch nicht in die Altersteilzeit gehen, sondern Party machen. Ein Album zum Thema Nachtleben ist dieses geworden. Und eigentlich mag ich so was. Trotzdem kann ichs einfach nicht höher einstufen. Vielleicht brauch ich professionelle Hilfe. Vielleicht kapier ichs auch erst in fünf Jahren. Na ja, wies halt so manchmal ist. Dennoch tolles Album. Franz Ferdinand bleiben erstmal auf der guten Seite!
Anhören: Ulysses, What She Came For, Lucid Dreams

37. Calvin Harris Ready For The Weekend
Calvin Harris hat mal in irgendeinem Interview neulich gesagt, er habe eigentlich keinen Bock im Rampenlicht zu stehen. Da hat er sich ein denkbar schlechtes Jahr ausgesucht, denn 2009 war definitiv seins. Nummer Eins Hits im UK gabs gleich mehrfach und arbeiten wollen eh alle mit ihm. Kylie, Katy (Perry) und Dizzee mal als Beispiel. Seine Remixe haben sowieso schon länger den Ruf, das Original aufzuwerten. So langsam wirkt der Titel des Debüt-Albums, I Created Disco, also nicht mehr wie Selbstüberschätzung. Auch der Nachfolger Ready For The Weekend groovt also ordentlich da weiter, wo der Vorgänger aufhörte. Harris scheut sich auch nicht vor Saxophonen (The Rain), 90er-Jahre-House-Gesang (Titeltrack) oder ebenfalls billigen 90er-Jahre-Trance-Flächen (Im Not Alone). Ob das nun genial oder dämlich ist er trifft den Geschmack der Massen da draußen. Und wirkt dabei sowohl in den Videos als auch in den Songs immer so, als fühle er sich gar nicht wohl da, wo er gerade steht. Irgendwie durchweht Harris Gesang immer eine Spur von Melancholie. Selbst eine Gute-Laune-Nummer wie Flashback bekommt so einen ernsten Unterton. Ich meine, ein wenig verloren wirkt er schon zwischen all den Party-Bitches im Musikvideo. Oder zwischen all den schwarzen Homies von Dizzee Rascal bei Dance Wiv Me. Der Popstar wieder willen. Jammern auf hohem Niveau. Ready For The Weekend ist ein astreines Gute-Laune-Party-Album, das genau für den Moment geeignet ist, den der Titel vorgibt. Und handwerklich gut gemacht ist es auch. These are the good days of your live, so put on a smile. Irgendwie hat er ja auch recht.
Anhören: The Rain, Ready For The Weekend, Flashback, Dance Wiv Me

36. Bad Lieutenant Never Cry Another Tear
Nach dem Bandende ist vor dem Neuanfang. Bernard Sumner hat das ja in seiner Biographie schon öfters durch. Als es Joy Division nicht mehr gab, gabs halt New Order und nach deren kurzer Pause musizierte man einfach mit Johnny Marr und Electronic weiter. Dann gabs zu Beginn der Dekade mal für 5 Jahre wieder New Order und nun halt Bad Lieutenant. Nachdem Peter Hook die Vorgängerband selbst auflöste und seitdem damit beschäftigt ist, ein Leben in der Vergangenheit zu führen und das New-Order-Vermächtnis zu verwalten, hat sich Sumner mit den New Order-Kollegen Phil Cunnigham und Stephan Morris längst der Zukunft zugewandt. Never Cry Another Tear macht da weiter, wo das letzte New Order Album 2005 aufhörte. Es wird also wieder weniger elektronisch, sondern handgemachter. Melodieverliebte Popsongs mit Sumners unnachahmlicher Singstimme, die keine ist und nicht vorhandener Aufregung. Teilweise driftet das Ganze auch mal in die Belanglosigkeit ab und Sumner hat ja seit jeher textlich helle und dunkle Momente, die sich auch gern mal auf einem Album finden. Doch hier hält sich das alles in Grenzen. Und wenn Neuzugang Jack Evans auch mal zum Mikro greift tut dies Bernies Songs außerordentlich gut. Gerade This Is Home oder These Changes erreichen so ein Niveau, was man lange nicht mehr von diesen Herren gehört hat. Dennoch klingen viele der 12 melodischen Britpop-Songs zu ähnlich und zu uninspiriert. Es fehlt das gewisse Etwas und das muss nicht zwangsläufig Hookys Bassspiel sein. Alles in allem aber ein anständiges Debüt-Album. Mal sehen, wohin es Sumner als nächstes verschlägt. Johnny Marr ist ja leider grad recht busy.
Anhören: Twist Of Fate, This is Home, These Changes, Shine Like The Sun

35. Jónsi & Alex Riceboy Sleeps
Wenn sich hier nochmal einer beschwert, ich hätte zu viel Freizeit, der schaue sich bitte mal bitte Jónsi Birgisson an. Wenngleich er natürlich die schönere Auslastung hat. 2008 gabs ein weiteres tolles Sigur Rós Album und 2010 wird es endlich sein Solo-Debüt geben, auf dem er zwaghaft mit dem Pop und etwas akzentfreierem Englisch liebäugeln wird. Und dazwischen? Da gab es ein kleines, feines Album mit dem Grund seines verbesserten Englisch, nämlich seinem Boyfriend Alex Somers. Mit diesem zusammen hat er das wundervoll geheimnisvolle Riceboy Sleeps aufgenommen, welches sich musikalisch natürlich an der Hauptband orientiert. Alles andere will man ja auch nicht unbedingt hören. Dennoch reduziert das Paar seine Musik auf das Wesentliche. Der große Bombast von Sigur Rós fehlt hier. Es herrscht akustischer Minimalismus. Klavier und Violine stehen im Vordergrund. Selbst Jónsis Stimme hört man nur mal gelegentlich aus dem düsteren Nebel hervorwinseln. Die Klangwelt von Jónsi und Alex ist klarer und wendet sich gegen den Pomp und Pop, den die Hauptband zuletzt an den Tag legte. Natürlich sind die Songlängen wieder exorbitant. Aber da hat man ja, bitte schön, auch nichts anderes erwartet. Auch auf diesem Album gelingt es Jónsi wundervoll traurige und geheimnisvolle Klangwelten zu erzeugen, die zwar zu keinem Zeitpunkt die musikalische Gesamtbrillanz von Sigur Rós erreichen, aber dennoch ein traumhaftes Eigenleben führen. Ein kleines, unscheinbares Gesamtkunstwerk. Und ich freu mich schon auf den nächsten Streich. Egal, in welcher Form uns Mr. Birgisson überrascht.
Anhören: Happiness, Indian Summer, Sleeping Giant

34. FrankMusik Complete Me
Neue Männer braucht das Popland! Während Popfrauen, wie Little Boots, Elli Goulding oder Elly Jackson von La Roux dieses Jahr das 80er-Revival in England ausgerufen haben, bleiben die Männer dabei irgendwie auf der Strecke. Gäbe es da nicht Vincent Frank, der sich mit seltsamer Frisur und bunten Klamotten das Wort Bubblegum-Pop auf die Stirn geschrieben hat, wie vor ihm schon lange keiner mehr. Mut zum Kitsch! Die männliche Ausgabe dieses ganzen Retro-Getues legte dieses Jahr ihr Debüt vor, welches Erfolgsproduzent Stuart Price natürlich auf Glatt getrimmt hat und mit dem er sich schon ins Vorprogramm der Pet Shop Boys oder Keane gespielt hat. Die schnellen Nummern sind astreiner Disco-Elektro-Pop. Songs wie In Step oder Better Off As Two gehen in Beine und Ohren. Und die Balladen, wie Your Boy oder das sehr gute Run Away From Trouble baden hingegen ordentlich im großen Kitsch. Große Gesten und funkelnde Disco-Nummern. Das ist natürlich furchtbar oberflächliche Musik und nach einiger Zeit gehen einem selbst die todsichersten Hits, wie Confusion Girl auf den Geist, dennoch hat Mr. Frank hier ein paar sehr schmissige Popsongs zusammengetragen, mit denen er sich vor den Großen der Szene nicht verstecken muss. Zumal seine Stimme auch irgendwie trotz des Soundgewands auch jede Menge Soul erahnen lässt. Vielleicht versucht er diesen beim zweiten Album mal nicht hinter all dem Discoglanz zu verstecken, denn der gute Mann hat sicher einiges an Potential. Und irgendjemand muss den Job ja schließlich machen.
Anhören: Better Off As Two, Done Done, Run Away From Trouble

33. Florence And The Machine Lungs
Oh Gott, schon wieder ne neue Singer/Songwriter-Tusse aus England, welcher bereits vor der Albumveröffentlichung von allen Seiten der wohlgeformte Hintern geküsst wird. Müsste man ja eigentlich nach all den Kate Nashes, Adeles und so schon relativ genervt sein. Aber Rotschopf Florence Welsh dürfte an dieser Stelle schon mal verziehen werden. Das Debüt-Album Lungs präsentiert sich als sehr kurzweilige und handwerklich gut gemachte Ansammlung von schönen Popsongs, wie sie irgendwie nur das Vereinte Königreich abliefern kann. Piano-Pop, Streicher, Gitarren und vor allem eine sehr, sehr gute und starke Stimme. Und natürlich die obligatorischen Hits, die einem solchen vielbejubelten Debüt ja bekanntlich immer beiliegen. Dem Charme der Singles Rabbit Heart, Drumming Song oder auch Youve Got The Love kann man sich nur schwer entziehen. Zu einprägsam sind die Melodien, zu wundervoll die Texte und zu elfengleich Welshs Gesang. Gut, es ist ein kraftvoller Engel, das gebe ich zu. Aber ihr Stimmvolumen spricht für ihre Authentizität und ihr Pianospiel ist wahrlich beeindruckend. Obwohl sie sich in ihren Musikvideos mittlerweile recht professionell räkelt und tanzt, wirkt Florence mit samt ihrer Maschine keinesfalls billig oder anspruchslos. Eine Frau, die weiß, was sie will und ein Album welches gleichermaßen eingängig, wie eigensinnig ist. In England der erwartungsgemäß große Wurf, bei uns noch unbekannt. Unverständlich, weil Florence augenscheinlich mehr kann, als viele, die in diesen Gewässern fischen. Aber vermutlich bedarf es noch einer strategischen Unterbringung in einem Werbeclip oder bei Germanys Next Topmodel, bis es hier auf einmal auch alle gut finden. Genießen wir also noch die Ruhe, bis dieser schlimme Tag kommt.
Anhören: Rabbit Heart (Raise It Up), Hurricane Drunk, Youve Got The Love

32. Athlete Black Swan
In der Haut mancher Bands möchte ich nicht gern stecken... soviel ist klar. Es ist schon nicht leicht, wenn man als kleinere Band auf einmal einen mittelschweren Hit oder ein tolles Album hatte und dann irgendwie immer an dem gemessen wird. Athlete singen ein ganzes Album mit Liedern davon. Natürlich ist da der Schatten des locker-leichten 2003er Debüts Vehicles & Animals, welches seinerzeit mit einer Mercury-Prize-Nominierung für Furore sorgte. Und da ist natürlich auch Wires, der größte Hit vom 2005er Nr.-1-Nachfolgealbum Tourist. Seit damals ist allerdings der Wurm drin. Der Nachfolger Beyond The Neighbourhood war zwar recht gut, aber ein ziemlicher Flop. Ohne Majorvertrag nahm man so das vierte Album Black Swan auf, signte beim Indie-Label Friction Records und wollte es nun allen zeigen. Doch nichts da. Der Negativtrend setzt sich fort. Sowohl in den Verkaufscharts, als auch bei mir. Platz 32 im Ranking ist für eine meiner Lieblingsbands der letzten Jahre eine ziemliche Niederlage. Es ist nicht richtig schlecht, aber auch weit davon entfernt gut zu sein. Irgendwie schrammt Black Swan haarscharf an der Bedeutungslosigkeit vorbei. Hier ist eine Band am Werk, welche verkrampft versucht, irgendwie eine große Hymne oder irgendetwas Bedeutungsvolles abzuliefern. Aber es fehlt zu großen Teilen die Magie der Vorgänger. Und auch die Eigenständigkeit der Band. Sicher The Getaway oder Magical Mistakes sind gut, aber irgendwie gabs solche Songs schon so oft. Die Band hat Angst, scheint auf Nummer Sicher zu gehen und fabriziert so zu viele mittelmäßige Songs und überraschungsarme Momente. Dabei müssen sie nicht wie Snow Patrol und Co. klinge, sie sind doch Athlete. Black Swan bietet einfach zu wenig von Allem. Und das muss man sich halt angesichts der Vorgänger gefallen lassen. Doch natürlich ist da die Hoffnung. Repräsentiert durch den traumhaften Abschluss Rubiks Cube, bei dem alles stimmt. Diese Band kann doch eigentlich mehr und sollte, allen kommerziellen Verpflichtungen zum Trotz, auch in Zukunft wieder mehr wagen. I know they can figure it out!
Anhören: Dont Hold Your Breath, Light The Way, Rubiks Cube

31. Metric Fantasies
Klamottentechnisch könnten Florence Welsh und Emily Haines von Metric sicher auch in ähnlichen Boutiquen anzutreffen sein, wenngleich Haines ihre Kleidchen gern kurz mag. Dieses Jahr auf dem Highfield gesehen. Beeindruckend, wie da nix durchblickte. Das mussten meine weiblichen Begleitungen neidlos anerkennen. Musikalisch verrutscht bei ihrer Band Metric schon lange nichts mehr. Mit dem diesjährigen Werk Fantasies schafften die Kanadier aber noch mal einen ordentlichen Bekanntheitsschub. Kein Wunder, wenn man eine so wundervoll eingängige erste Single wie Help Im Alive vorlegt. Und von Gimme Sympathy mal ganz zu schweigen. Verdammt, ist das ein Hit. Und falls mich wer fragt: Beatles! Metric präsentieren zehn wundervolle Indierock-Songs, die sehr melodieverliebt und mit allerhand elektronischen Spielereien gespickt sind. Und das alles trägt Emily Haines mit ihrer wundervollen Stimme, irgendwo zwischen Zerbrechlichkeit und energischem Trotzen. Die Elemente fügen sich perfekt zusammen und das Album bietet auch abseits der Singles ordentlich Hitpotential, tolle Melodien, gute Instrumentierung und schöne Texte. Mit Fantasies gelingt Metric tatsächlich ein durchgängig gutes Album, ohne Aussetzer, das man trotz seiner Poppigkeit immer wieder hören kann, ohne dass es einem auf den Geist geht. Mehr fällt mir dazu auch nicht ein. Wenn Musik wirklich gut gemacht ist, muss man das neidlos anerkennen. Stilsicher in allen Bereichen!
Anhören: Help Im Alive, Satellite Mind, Gimme Sympathy

Die wahren Hits der 80er, 90er und von heute

rhododendron — 2009-12-17T23:33:00Z

Wie wars eigentlich damals bei den Pet Shop Boys? Doppelter Einsatz in Berlin. 50% von Nobono besuchten vor gut 2 Wochen endlich ihr hauseigenes Konzert der Pet Shop Boys. Und nicht nur dies. Obendrein gibt es mit den Special Guests Bad Lieutenant noch weitere Legenden im Entertainment-Paket. Ein verspäteter Erlebnisbericht.

Also, man kann ja von den Pet Shop Boys halten was man will. Aber der hoffentlich vorhandenen Leserschaft hier sollte bewusst sein, dass es den Blog Nobono als solchen ohne die Herren Tennant und Lowe nicht geben würde! Der Liebe zu dem britischen Popduo ist es nämlich zu verdanken, dass sich doughnut und rhododendron einst kennen lernten, gemeinsame musikalische Interessen entdeckten und dann irgendwann vor nun mehr fast drei Jahren hier den Laden aufmachten. Ob der Rest Geschichte ist, sei mal dahin gestellt. Umso schöner die Tatsache, dass wir beide es am 05.12. diesne Jahres endlich schafften, mal ein Konzert der Pets zusammen zu erleben. Denn, und das ist ein gerechtfertigter Klischee-Satz, das ausgehende Jahr 2009 war definitiv nach langer Zeit mal wieder ein gutes Jahr für die Boys. Kritiker und Käufer waren sich endlich mal einig und so wurde das Popduo, wohl auch aufgrund eines allgemeinen musikalischen Trends, auch wieder für Menschen unter 30 interessant. Das Konzert in der protzigen o2-World sollte da eine Art schönen Schlusspunkt setzen, wenngleich es lediglich der Auftakt der Wintertour in Deutschland ist. Und als ob das nicht schon ein Anreiz genug wäre, erfüllen uns die Boys noch einen absoluten Wunschtraum und laden als Special Guest nur für dieses eine Konzert Bad Lieutenant ein! Ich meine, lebende Legenden. 50% Nobono trifft 50% Joy Division. Ein gutes Verhältnis! Deshalb haben wir unsere folgenden Einschätzungen auch zweigeteilt.

I. Die Lokalität

rhododendron: Okay, also dass müssen wir ja mal voranstellen. Wir wissen ja, dass Neil und Chris trotz der guten Resonanz von Yes in diesem Jahr keine Massenband sind. Vielleicht waren sie das mal 1989 oder so. Wenn überhaupt. Warum man sich also in einem Protztempel, wie der o2 World in Berlin einmietet, wo sonst nur Coldplay, Metallica und Whitney Housten (fällt mir nur grad ein, weil dafür gestern so exzessiv Werbung gemacht wurde) auftreten, schien den ganzen Abend nicht klar. Irgendeine Marketing-Sache? Proben für die DVD-Aufzeichnung in der o2 Arena in London demnächst? Selbstüberschätzung? Jedenfalls hätten wir beide ja am Anfang gedacht, die bekommen das Teil nicht mal bis zur Hälfte voll, da es noch eine Stunde vor Beginn recht leer war. Doch wir wurden dann recht positiv überrascht, oder?
doughnut: Richtig. Das Ding ist eben: die o2 World ist ziemlich groß. Soweit ich weiß, finden dort an die 17.000 Leute Platz. Man hat nun die Oberränge gar nicht zum Verkauf frei gegebenen, das wäre dann auch wirklich absurd gewesen. Wir waren ja überpünktlich dort und stellten fest, dass der Innenraum auch nach einer halben Stunde nicht voller wurde. Also schon ziemlich lustig, dass bereits vor 19 Uhr einige Fans panisch in die Halle gerannt sind. Wir konnten gemütlich unsere Jacken abgeben, Bier kaufen und waren letztlich doch sehr weit vorn. Als Bad Lieutenant dann loslegten wurde es sichtlich voller. Wenn man sich das ganze nun auf Fotos etc. betrachtet, kann man schon sagen, dass der Innenraum gut gefüllt war. Eigentlich voll, aber eben kein Gedrängel. Man konnte da ganz gut stehen. Im Gegensatz zu einigen Unkenrufen anderswo finde ich, dass auch die Ränge gut gefüllt waren. Lass es an die 10.000 Leute gewesen sein, und es war für die Verhältnisse wirklich ziemlich voll. Dafür gabs ja aber auch wochenlang schöne große Plakatwerbung in Berlin an der o2 World. Insgesamt ganz ordentliche Location und interessant, die PSB mal in einer etwas größeren Halle spielen zu sehen: die Show funktioniert auch dort!

II. Bad Lieutenant

r: Die Tatsache, dass wir es zeitlebens nie auf ein New Order Konzert geschafft haben, schmerzt natürlich sehr. Gerade für Oberfan doughnut. Umso glücklicher waren wir natürlich bei der Bekanntgabe des Support Acts für diesen Abend! Sicher auch, um den Laden noch etwas zu füllen. Bad Lieutenant haben ein okayes Debüt vorgelegt, welches kurzweiligen Gitarrenpop bietet, der irgendwo zwischen New Order und den Doves angesiedelt ist. Aber natürlich ist das nicht der Grund, warum man sich auf einen Auftritt freut. Natürlich ist es auch die Präsenz von Bernard Sumner und Stephen Morris. Ich meine, Stephan Morris, dem Produzent Martin Hannett bei den Aufnahmen des Joy Division Debüts riet, seine Parts auf dem Studiodach einzuspielen, um mehr Kälte zu erzeugen. Und Bernie Sumner, der Ian Curtis kurz vor dessen Tod noch bei sich übernachten ließ, Tony Wilson kannte, die Hacienda mitfinanziert und ruiniert hatte... und wenn diese Band dann Ceremony anstimmt... dann weht einfach die Geschichte unweigerlich mit durch den Raum. Und so freut man sich einfach, endlich mal Crystal und Tempation live zu hören. Letzteres genial zusammengemixt mit dem Chemical Brothers Track Out Of Control, welchem Sumner damals bekanntlich seine Stimme lieh. In diesem Moment lässt sich erahnen, wie es vor 20 Jahren in der Hacienda abgegangen sein muss. Fine Time, Baby! Für uns Fans wird ein kleiner Traum war. Leider nur für eine dreiviertel Stunde. Die Band verabschiedet sich standardgemäß mit Love Will Tear Us Apart, welches sie sogar Robert Enke widmet. Der Song ist auch nach dreißig Jahren unkaputtbar und bewegend. Nie wahr Peter Hook überflüssiger, als in diesem Moment. Die nächste Bad Lieutenant Tour sollte dann doch Pflicht sein, oder?
d: Die armen Bad Lieutenant! Anfangs mussten sie ja noch unter Notbeleuchtung spielen, später hatte man das technische Problem dann im Griff. Naja, was soll man sagen? Eigentlich wurde ja alles gesagt: a) Peter Hook fehlt halt nicht. Seien wir ehrlich: Während Sumner sich mit seinen Leuten für eineinhalb Jahre zurückgezogen, und ein solides Gitarrenpopalbum aufgenommen hat, kam Hook nur mit pikierenden Worten über Morrissey und der Vergangenheit an sich in die Presse. Sowas nervt und deswegen kann man es Sumner auch nicht übel nehmen, wenn einen Abend zuvor in Hamburg noch selbstbewusst we are not New Order in die Menge ruft. In der Tat war bei NO zuletzt die Luft raus, doch davon hatte man an diesem Abend nichts mehr gemerkt. Sumner und Co. machten einen frischen und sympathischen Eindruck. Man merkte ihnen an: es macht wieder Spaß! Mit drei Gitarristen auf der Bühne gabs auch nen ordentlichen Sound und man hatte schließlich den Eindruck, dass die sich nach ner dreiviertel Stunde erst warm gespielt hatten. Leider mussten sie sich schon dann verabschieden, aber die passende Tour soll ja im Frühjahr 2010 folgen und dann ist man sicher wieder dabei, denn was man an diesem Abend geboten bekam war nicht nur die physische Präsenz zweier Legenden, sondern einfach eine gute Liveband mit richtig guten Songs und dazu zählen auch die neuen wie Sink or swim oder This is home. Sehr schöner Auftritt, mit dem man dann auch den NO Gig auf der Wunschliste abhaken kann. Ich mein: Ceremony, Crystal, Out of control UND Temptation! Gehts noch besser? Wohl kaum

III. Pet Shop Boys

r: Wenn man die fulminante Pandemonium-Show des britischen Popduos bereits im Sommer gesehen hat, so wie wir zwei, dann ist die Wintertour natürlich erstaunlich überraschungsarm. Ich empfehle deshalb auch die Lektüre meiner Leipzig-Rezension im Juni. Die Show bleibt natürlich so toll, wie sie bereits beim ersten Mal war, mit dem schönen Unterschied, dass ich diesmal weiter vorn stand und das Ganze endlich auch mal wirklich sehen konnte. Ansonsten sind die Würfel immer noch das zentrale Element. Sie bauen sich auf, sie stürzen wieder ein, hängen an Schnüren oder werden von den Tänzern als Wurfgeschosse benutzt. Dazu gibts jede Menge Kostüme, Hintergrundvideos und Tanzeinlagen. Muss ja auch, da Tennant und Lowe das Gegenkonzept von Rampensäuen sind. Die geben sich weiterhin als gut gekleidete Gentleman des Elektropop und pfeffern fast die exakt gleiche Setlist aus dem Sommer um unsere Ohren, die sich aber nach wie vor sehr gut anhört. Natürlich sind da die Gassenhauer wie Suburbia, Its A Sin und Always On My Mind dabei, die man schon nicht mehr hören kann, aber live durchaus Sinn machen. Auch Go West, welches glücklicherweise immer noch über die Beats von Paninaro gelegt wird. Und dann sind da natürlich ein paar Mahsups, sowie das famose Oldschool-Special mit Two Divided By Zero und Why Dont We Live Together? vom Debütalbum Please, welche beweisen, dass die Boys tatsächlich mal richtig cool klangen. Ansonsten gesellen sich das schnittige New York City Boy, sowie die Allzweckwaffe What Have I Done To Deserve This? ins Programm. Nett, aber nicht weltbewegend. Glücklicherweise sorgen die Boys mit Musical Conductor Stuart Price immer wieder dafür, dass die Show nicht zu einer totalen Greatest-Hits-Revue verkommt. So gibt es die tolle 80er B-Seite Do I Have To?, welche nahtlos in das wunderbare Kings Cross überläuft und zu Tränen rührt. Alles richtig gemacht. Ansonsten die üblichen Songs. Das Viva La Vida-Coldplay-Cover funktioniert natürlich in so einer Location außerordentlich gut. Und als kleines vorgezogenes Nikolausgeschenk gibts als Zugabe die neue Weihnachtssingle It Doesnt Often Snow At Christmas. Inklusive tanzender Weihnachtsbäume. Mehr Kitsch geht nicht, oder?

d: Was konnte man erwarten im Gegensatz zur Sommer Tour? Neue Songs? Mehr Songs? Gar ein anderes Bühnenbild? Nun, die Veränderungen lagen im Detail. Im Intro More than a dream (Dub) hörte man im Gegensatz zum Sommer nun schon Heart heraus, für Love etc. wählte man ein alternatives Ende (ohne den Textzeilen I believe / call me naive/ That we can achieve / A love that we need) und hier und da änderte man eine Synthie Spur. Zu 90% passten diese Veränderungen gut, manchmal klang da aber auch einiges schief. New York City boy beispielsweise wirkte deplatziert, da man Always on my mind vermutete, was aber an der positiven Stimmung nichts änderte. What habe I done to deserve t his? hätte man nicht haben müssen, aber in einer auf Greatest Hits getrimmten Setlist natürlich kein falscher Beitrag. Dusty Springfiel erschien derweil wie in einer Andy Warhol Collage auf großer Leinwand. Absolutes Highlight natürlich der New York-Block und eben der ruhige Part mit den Balladen. Hier und da änderte man auch die Choreografie der Tänzer, doch die Veränderungen lagen insgesamt im Detail. Go West wird mittlerweile nicht mehr als Finale genutzt und kommt im Mittelteil dafür umso besser. Songs wie Love etc. produzieren da mittlerweile mehr Stimmung. Und ja: natürlich sehr kitschiger, aber auch sehr PSB-typischer Abschluss mit dem Christmas Song. Kam sehr gut an und hat mich live ebenso überrascht. Schöne Setlist, überwiegend gute Neuerungen im Detail, die sicher nur dem Fan auffielen!

IV. Stimmung / Fazit

r: Ja, was bleibt am Ende nach diesem Gastspiel der beiden Legenden? Die Stimmung war eher bescheiden, als ob das Publikum mit Handbremse auftrat. Sicher, der Applaus war recht ordentlich und insofern ich das sehen konnte, stand man auf den lichten Rängen am Ende auch mehrheitlich. Während der Songs hätte ich, gerade weiter vorn einfach mehr erwartet. Ich meine, dass sich da kein Moshpit bildet ist klar, vielleicht fehlen den Boys dazu auch die Songs, aber teilweise war das einfach ein zu hoher Schunkelfaktor. Und Neil Tennant ist halt einfach nicht der Typ, der permanent das Publikum anfeuert. Wenn er es allerdings tat, dann ging ein kurzer Ruck durch die Lethargie. Das wars dann aber auch. Positiv war hingegen die logistische Überschätzung der Location. Dadurch, dass die gerade mal zu 2/3 gefüllt war, gab es wenigstens mal für alle ausreichend Platz. Was man damit anstellt ist dann natürlich jedem selbst überlassen. Das Publikum der Pet Shop Boys ist, Spex-Verehrung hin oder her, einfach mal ein älteres Semester. Immerhin sind Tennant und Lowe ja auch nicht mehr die Jüngsten und das sieht man trotz Kostümen, Hüten und Sonnenbrillen langsam auch. Dennoch bleibt bei mir ständig das Gefühl, dass da stimmungstechnisch noch Platz nach oben ist. Aber da sollte man Realist bleiben. Der tollen Show der Jungs tut dies aber keinen Abbruch. Und gerade durch Bad Lieutenant hat die Show noch einiges dazu gewonnen. Allein dafür hat sich die Anreise gelohnt. Was bleibt also? Die Pet Shop Boys haben ein gutes Jahr und eine gute Live-Show gehabt und ich bin gespannt, was dann in 3 Jahren darauf folgt. Auf das Sommerkonzert hätte ich rückblickend also eher verzichten können. Und Bad Lieutenant? Ja, da muss nun bald mal ne Tour folgen. Da sind wir dabei. Herr doughnut, ich rechne mit ihnen.

d: Pandemonium Tour = solide PSB-Tour. Was wurde anders gemacht als 2007 zur Fundamental Tour? Größeres, aufwändigeres Bühnenbild, mehr Kostüme, mehr Songs. Insgesamt gabs von allem ein wenig mehr. Und mit Price als Sound Director nicht nur mehr, sondern halt auch ein wenig besser. Man hat mehr aus den Songs gemacht und tolle Sachen aus dem Archiv geholt. Man hörte sogar Anleihen von In the night ob wir sowas nochmal erleben werden? Nun, Price sollte in jedem Fall in drei Jahren für das nächste Album verantwortlich sein, denn er hat aus den Jungs live nochmal einiges rausgeholt. Das Publikum ist sicher ein älteres Semester, aber es gab auch einige jüngere Leute darunter, die sicherlich mit dem musikalischen Trend und mit Love etc. in die Halle gespült wurden. Hätte man All over the world folgen lassen, wäre da eventuell sogar noch mehr Spielraum für eine neue Fangeneration. Davon abgesehen hast du natürlich Recht: Für eine Stimmung wie bei Coldplay und Co. fehlen denen halt einfach die Songs. Viele kommen halt dort hin, um in Ruhe die Hits ihrer Jugend Revue passieren zu lassen. Da rastet man halt maximal bei Always on my mind aus. Klar, dass dann die jüngeren Fans ein wenig mehr aktiv sind. Fazit: Man hat uns auf der Tour überrascht und es wurde einiges geboten. Alles war ein wenig mehr, ein wenig bunter als in den vergangenen zehn Jahren und wer hätte das schon erwartet. Die Stimmung war okay, die Halle gut gefüllt. Es gibt also nichts zu bemängeln, gerade bei so einen Support wie Bad Lieutenant. Ich meine klar: Den Electronic-Hit Getting away with it hätten sie schon anstimmen können, aber das Leben ist eben kein Wunschkonzert. In diesem Sinne: bis in zwei oder drei Jahren!

Setlist:

01 More Than A Dream (Intro)
02 Heart
03 Did You See Me Coming?
04 Pandemonium / Can You Forgive Her?
05 Love Etc.
06 Integral/ Building A Wall
07 Go West
08 Two Divided By Zero
09 Why Don't We Live Together?
10 New York City Boy
11 Always On My Mind
12 Closer To Heaven / Left To My Own Devices
13 Do I Have To?
14 Kings Cross
15 The Way It Used To Be
16 Jealousy
17 Suburbia
18 What Have I Done To Deserve This?
19 All Over The World
20 Se A Vida È (Thats The Way Life Is)
20 Domino Dancing/ Viva La Vida
21 It's A Sin
22 Being Boring
23 West End Girls
24 It Doesnt Often Snow At Christmas

PS: Die Bilder sind eine "Leihgabe" von intro.de...

Rainbow Party - (8) Lychnis

The Fall On Deaf Ears — 2009-12-16T22:59:00Z

Hi there, folks!
Verzeihung, dass mein dieswöchiger Fünfer erst heute und damit einen Tag verspätet erscheint.
Jedoch bin jetzt schon seit längerem von der Internetwelt abgeschnitten und musste erst einen unbescholtenen Passanten damit drohen ihn gemeinsam mit dem kompletten Wu-Tang Clan und The Polyphonic Spree in eine einsame Waldhütte zu sperren, händigte er mir nicht seinen WLAN-Zugang aus.
Hat funktioniert und so kann ich hiermit wieder fünf der schönsten Dreieinhalbminüter der U-Musik des letzten Dekats vorstellen.
Viel Vergnügen!

15.) Elysian Fields - Passing On The Stairs, 2004

Das Duo Elysian Fields wird wohl bis in alle Ewigkeiten einer dieser Dauer-Geheimtipps bleiben. Dabei kann man den beiden eigentlich nur Großes wünschen. Derart wunderbare, düstere, getragene, bestürzend ehrliche Musik hört man einerseits nicht aller Tage und wird wohl dennoch nie aus der Mode kommen. Sie reihen sich hervorragend in die musikalischen Reihe eines Leonard Cohen, eines Nick Drake, eines Elliot Smith, eines Jeff Buckley oder von Portishead ein. Und das alles allerdings kombiniert mit dem Habitus von solchen hervorragend funktionierenden und arbeitsgeteilten Duos wie beispielsweise Goldfrapp. Er macht die Musik, sie singt mit einer Stimme, die Orpheus ähnlich die Tiere zum Sammeln, Bäume zum Neigen und Steine zum Weinen bringt.
Der Höhepunkt ihres Schaffens ist meiner Meinung nach das famose Album "Dreams That Breathe Your Name". Nicht nur, aber vor allem wegen dem hier vorliegenden Titel. Passing On The Stairs ist ein sehr klassiches Duett. Die beiden Vokalisten beschreiben mit verteilten Rollen die Begegnung von zwei geschlechtsreifen Menschen, die beide zueinander wollen, es sich jedoch nicht zutrauen. Was für ein traumhafter Plot, den ich persönlich sehr gut nachvollziehen kann. Nicht nur das ja jeder verliebt war/ist/sein wird. Nein. Durch den Schwenk des Fokus auf den/die Angehimmelte(n), wird einem nochmal vor Augen geführt, dass der Gegenüber unter Umständen exakt die gleiche Gefühlswelt von einem selbst durchleben könnte. Für unsichere Menschen wie mich ein Lebenselixier, Hoffnungsschimmer, Realitätsbezug. Oder wie Señor Rhododendron es so gerne beschreibt: lebensrettend.
Der beste Text nützt natürlich nix ohne ohne die entsprechende Musik und die ist hier schlicht und ergreifend niederschmetternd. Schwer, traurig, getragen, moll-ig und von ausgesuchter Schönheit geprägt. Schwere, tiefe, langsame Klavierakkorde tragen das Lied, die später von einem fast schon kraftlos wirkenden Jazz-Schlagzeug und einem lahmen, erdrückenden Kontrabass und einem verloren wirkenden Cello begleitet werden und damit das Lied, die Stimmung und letztendlich auch den Hörer tief in den Keller hinab geleiten. Und damit einen perfekten Untergrund für diesen letztendlich doch sehr traurigen Gesang schaffen. Ein weiterer hervorragender, dunkel schimmernder Diamant der neueren Popmusik.

14.) Muse - Hysteria, 2003

Eines der energetischsten Lieder, die ich kenne. Eine wahre, alles verschlingende Walze von Basslauf, der mir als Basser den puren Neid ins Herz schießen lässt, treibt - und ich betone das Wort treibt - den Song voran, hetzt ihn, gibt ihm die Sporen, peitscht ihn durch die dreieinhalb Minuten. Die Gitarre stellt den Sturm dar, der das Song-Gespann noch massiver nach vorne bringt. Doch das Schlagzeug gibt dem ganzen Gebilde durch seinen relativ straighten Diskobeat einen wichtigen Teil Leichfüßigkeit und Nachvollziehbarkeit. Dass Matthew Bellamy durchweg hochemotional singt, braucht man nicht mehr zu betonen. Dass er leidenschaftlich und dennoch sauber und melodiös singt ist erstaunlich und Allgemeingut. Die Komposition an sich ist natürlich ein krasser Ohrwurm und dürfte auch in der Akustikversion keine Gefangenen nehmen. Das hier tobt, wütet und hetzt den Hörer von einem Höhepunkt zum nächsten. Dass es jedoch nicht bei einem gewöhnlichen Pop-Punk-Song verbleibt, was ja auf eine derartige Beschreibung auch vorstellbar wäre, liegt einfach daran, dass Muse diese unverschämte Genialität besitzen, einen Song immer bis zum letzten Jota auszureizen. So gibt es halt ein einfaches, aber spitzenmäßig funktionierendes Gitarrensolo. Diesen Moshpart nach dem Refrain und den sehr catchy und dennoch massiven Leit-Riff. Überhaupt fasst, glaube ich, das Wort massiv diesen gnadenlosen Hit am besten zusammen.

13.) The Cooper Temple Clause - Blind Pilots, 2003

Und noch ein brillanter Popsong, der ein ziemlich penetranter Ohrwurm ist und mich dennoch noch nie genervt hat.
Auch wenn ich den Opener des Opus Magnus Kick Up The Fire And Let The Flames Break Loose (Albumtitel des Jahrzehnts!) The Same Mistakes in den Jahren seit seiner Erscheinung wohl viel öfter gehört habe, packt mich dieses kleine Wunderwerk hier stets immer etwas unvermittelter. Denn auch wenn der andere eine grandios wachsendes - sich stets steigerndes - Songmonster darstellt, der mein Postrock-Herz höher schlagen lässt, haben wir hier einen Refrain vorliegen, der einer der besten - nicht nur des letzten Jahrzehnts - ist. Auch wenn die Strophe sehr gelungen ist und auch das psychedelische Interlude zu gefallen weiß, strahlt das Lied vor allem wegen dieses erhabenen Chorus, der Himmel und Erde zu vertauschen mag. Exzellent vorgetragen, überzeugend arrangiert packt er dich, wirft dich nieder, spaltet deinen Brustkorb, fetzt dein Herz raus, versieht es mit einem Paar Flügel und lässt es fliegen.

12.) Aqualung - Can't Get You Out My Mind, 2002

Was für ein schönes Liebeslied! Eine Ode an die Partnerin, die das lyrische Ich immer wollte. Gefühlvoll bis zum Geht-nicht-mehr. Süß und schnucklig mit seinem hohen Klaviergeklimper und der niedlichen hohen Stimme, die es gerade so schafft, diese Töne zu trällern. Und dennoch erhaben in seiner hohen Kompositionsschule und textlichen Einfacheit. Trotz oder gerade wegen seiner Simplizität würde sicher jeder sich wünschen, dieses Lied singen zu können. Denn wer möchte denn nicht gerne von sich behaupten können sagen zu können
And I'm petrified,
Hypnotized
Everytime you walk by
And I can't get you out of my mind
Und letztendlich feststellen zu dürfen:
I can't believe it's true
that you're here by my side.
Würde jemand anderes diesen Text singen, würde man das so wahrscheinlich gar nicht wahrnehmen oder nicht ernst nehmen, egal ob es Jessica Simpson oder Maynard James Keenan von Tool wären. Doch da Herr Matt Hales sich dazu entschieden hat, auch die Produktion zu diesem Titel so authentisch wie möglich zu gestalten - keine großen Effekte, keine Verfremdungen, keine anderen Sänger, überhaupt auch keine gedoppelte Gesangsspur, kommt diese Wirkmacht der Aussage besser zur Geltung. Ja, man nimmt ihm das ab, was er da singt. Dadurch kommt es wahrscheinlich auch, dass man so einen starken persönlichen Bezug zu dem Gesagten aufbauen kann und seine persönliche Flamme darauf projezieren kann.
Ich bleibe bei meiner Feststellung:
Was für ein schönes Liebeslied.
Übrigens: Matt Haines hat seine Co-Songwriterin Kim Oliver zwischen dem ersten Album - dem dieses Lied entnommen ist - und dem zweiten zu seiner Gemahlin gemacht ...

11.) Depeche Mode - Freelove, 2001

Wo wir schon beim Thema Liebe sind: Einen etwas abstrakteren Zugang zu diesem großen Thema wählen die Herren Mode.
Zu sehr entspannender aber nie unspannender musikalischer Untermalung mit einer verschlafenen Gitarre und einer Vielzahl an Samples und Effekten, kann Mr. Gahan von seiner schönen Wahrheit der freien Liebe erzählen. Damit ist natürlich nicht die sexuelle Konnotation angestrebt, sondern eher der spirituelle, zwischenmenschliche Ansatz:
No hidden catch,
no strings attached
just free love.
Ist das nicht wunderschön? Ein Gegenpol zu der "What's in it for me?"-Mentalität, die unser Denken inzwischen fest im Griff hat, sagt das lyrische Ich einfach nur: "Ich weiß nicht was die Wahrheit ist, ich gebe einfach nur Liebe umsonst." Passend zum ausladendem Gestus mit dem sich Dave Gahan live präsentiert, wirkt das hier beinahe wie eine moderne Jesusfigur. Mag sein, dass das idiotisch ist. Mag sein, dass das sarkastisch gemeint ist. Mag sein, dass das pathetisch ist. Mich erwischt das mit voller Breitseite. Es treibt mir wirklich die Tränen in die Augen, wenn ich diese einfache und überwältigende Botschaft höre.
Allerdings muss ich beim Thema DM dazu erwähnen, dass ich mich sonst immer sehr schwer damit tue, diese heldenartige Verehrung, die ihnen seitens der Fans entgegen brandet, nachzuvollziehen. Diese Liebe zu diesem Lied ist definitiv nicht personengebunden. Den Text könnten Mayham singen und ich wäre genau so erschüttert und bewegt. Jedoch verstehen es Depeche Mode hier die Lyrics als Essenz des Songs wahrzunehmen und dementsprechend dem Gesang auch ausreichend Raum zu lassen. Gleichzeitig fungiert die sehr sehr chillige Musik als Unterfütterung. Nicht als Beiwerk sondern als tragendes Element, was sich jedoch nie in Vordergrund drängt.
Ich muss dazu erwähnen, dass als Besprechungsgrundlage, die auch im obigen Video zu hörende Single-Version Pate stand. Zwar ist auch die Album-Variante von ausgesuchter Schönheit, der Flood-Remix (was gleich bedeutend mit Single-Version ist) zeichnet sich jedoch dadurch aus, diesen sowieso schon reduzierten Song noch weiter von allem Effekt-Ballast zu entlasten, zu straffen und zu entschlacken, so dass dieses kompakte Stück Pop bei entsteht, was ich auch so zuerst kennen und lieben gelernt habe.

Meine 100 Alben 2000 - 2009 / Platz 01

rhododendron — 2009-12-16T13:09:00Z

01. Bloc Party A Weekend In The City (2007)

Also, wie wählt man die nun eigentlich die liebste aller Platten aus den vergangenen zehn Jahren? Wie geht man dabei vor? Vielleicht sollte man am Ende, das Album nehmen, welches den größten Eindruck bei einem hinterlassen hat, sowohl damals beim Release, als auch heute noch. Das Album, welches einen am meisten geprägt und bewegt hat, welches einen in den richtigen Momenten begleitet hat, an die man sich gern oder auch weniger gern zurückerinnert. Dabei kann man ja durchaus den Stellenwert in der Pophistorie außen vor lassen. Und während ich so beim Aufstellen der Top 100 immer wieder über so etwas nachdachte, kam mir am Ende immer wieder nur ein Titel in den Sinn: A Weekend In The City! Das zweite Bloc Party Album ist mein Meisterwerk dieser Dekade, ohne Wenn und Aber während die Welt in diesem Kontext immer gern auf das wegweisende Debüt Silent Alarm schielt wird gern übersehen, welch Genialität der Nachfolger musikalisch und inhaltlich zu bieten hat. Und vielleicht ist es am Ende Schicksal, als ich damals alkoholtrunken kurz nach Mitternacht das Teil erstmals in meinen mp3-Player packte und aufdrehte. Dem frühen Internet-Leak sei dank! So hatte ich mir Weekend für 2007 aufgespaart, vielleicht schon wissend, was es mir bedeuten würde. Na ja, war, glaub ich in jener Nacht ein unfreiwillig komisches Bild, dass ich auf den Elbwiesen abgab.

Was ich mit dieser Annekdote eigentlich nur verdeutlichen wollte dies ist MEIN Album. Es hat mich geprägt, in seiner Ehrlichkeit und Aufrichtigkeit, gleich eines Manifestes, gefüllt mir elf genialen Songs, von denen keiner auch nur annähernd schlecht ist, sondern einer besser als der nächste. Jedes Lied erzählt eine Geschichte, keiner klingt wie der andere und am Ende fügt sich doch alles zu diesem unglaublichen Konzeptalbum zusammen. Ein Album, welches davon handelt, was wir sind. Über das Leben als Twenty-Something in der Großstadt. Sänger Kele Okereke hat seiner Band dieses Album auf ihren Leib geschrieben, ohne dabei urbane Schönfärberei zu betreiben. Nach den kryptischen Texten von Silent Alarm wir Okereke direkt und kreiert mit seinen Mitstreitern, sowie Produzent Jacknife Lee ein Album, welches so abgrundtief traurig, so wütend, so ehrlich und auch irgendwie so aufrüttelnd ist, wie kein anderes Album in dieser Dekade. Ein Armutszeugnis für die westliche Dekadenz wird ausgestellt. Eine Gesellschaft voller Angst, zerbrochener Träume, Gewalt, sinnlosem Konsum und falscher Liebe. Uniform stellt die Eintönigkeit unserer Jugendkultur an den Pranger, in Where Is Home? schreit Kele seine Wut über Rassismus aus dem Leib, während uns Hunting for Witches die tägliche Angst vor Terrorismus, sowie die damit verbundene Medienpropaganda vor Augen führt. Und das ist nur der Anfang. Mehr gefällig? On ist eine Liebeserklärung an Kokain, während Kreuzberg den einsamen Protagonisten nach einem One-Night-Stand auf die Straßen des nächtlichen Berlins schickt, wo er sich fragt, warum er nicht richtig lieben kann. I Still Remember spielt mit homoerotischen Versuchungen, Waiting For The 7.18 hingegen steckt knietief im Alltagstrott. Und immer wieder der Wunsch von Okereke auszubrechen. Bereits im wüsten Opener Song For Clay stürzt sich der Protagonist ins korrupte und seelenlose Nachtleben einer Gesellschaft, die ihre Existenzberechtigung im Rausch sucht. Because East London is a vampire, it sucks the joy right out of me. How we longed for corruption in these golden years schreit Kele dem Hörer unverblümt entgegen. Gleichzeitig resigniert er... Nothing ever really touches me. Kein Koks, kein Sex, keine Party kann das Loch füllen. Selbst der Prayer zur Freitag Nacht wirkt irgendwie wie ein verzweifelter Aufschrei nach Liebe und Erkenntnis. So geht das Konzept des Albums vom Freitag Abend bis hin zum Sonntag. Im gleichnamigen Sunday taucht kurzzeitig Optimismus auf. Das einzig wirkliche Liebeslied des Albums. Giant proclamations are all very well but our love is louder than words. Ein treffendes Fazit. Doch die Stimmung bleibt nur kurzzeitig optimistisch, denn das Album endet mit SRXT, einen Song, der nach einem Antidepressiva benannt ist und einem Freund Okerekes gewidmet ist, der scheinbar alles auf der Welt hatte, aber mit dem Alltagstrott und dem Durchhangeln von Wochenende zu Wochenende einfach nicht klar kam und sich das Leben nahm. Untermahlt von einer riesigen Wall of Sound erreicht die Verzweiflung ihren Höhepunkt. Nein, dies ist kein Partyalbum, dies ist keine lebensbejahende Platte. Bloc Party entwerfen einen düsteren Gegenentwurf zur Spaßgesellschaft, wenngleich sie unfreiwillig Teil eben dieser sind. Doch es ist nicht nur der Inhalt, welcher begeistert, sondern auch die Form. Sicher, Jacknife Lee glättet den elektrisierenden Sound des Debüts deutlich und verpasst dem Quartett ordentliche Soundflächen. Doch diese zusätzliche Atmosphäre brauchen die Songs auch, um sich zu entfalten und zu funktionieren. Ein großes Plus ist die Abwechslung im Klang während die Opener noch klassische Gitarrenschrubber sind, versteckt sich Waiting For The 7.18 hinter einer dicken Soundwand. The Prayer ist alles, nur nicht eindeutig. Ein wilder Mix aus Hip Hop, Electro und Rock. Ähnliches gilt für das zerhackte Where Is Home?. On kommt so gut wie ohne Gitarren aus, während Uniform nach dem ruhigen Start zum Ende hin richtig an Fahrt und Wut gewinnt. Die Liebe zur Elektronik und diversen Soundspielereien, die sich bereits auf Silent Alarm angedeutet hatte, wird auf Weekend richtig ausgelebt. Auch diese Vielfalt macht den Reiz des Albums aus und passt zu den unterschiedlichen Stimmungen der Songs.

Für viele, die vordergründig gern immer wieder leichte Indierocksongs á la Banquet hören möchten mag dies unverständlich klingen. Zu glatt und zu ruhig sei das Zweitwerk von Bloc Party, kritisierten viele. Doch das ist ja nicht der entscheidende Punkt. In diesem Album steckt mehr Wut, Gefühl und wenn ihr so wollt auch Punk, als in vielen anderen Platten, die sich so schimpfen. Der Clou besteht darin, dass Bloc Party dies anders vermitteln. Auf unterschiedlichen Ebenen. So funktioniert dieses Album. Die düstere Variante eines herkömmlichen Popalbums sozusagen, die aber abseits der Thematik alle Aspekte eines guten Popwerks vereinigt. Alles, was Bloc Party 2007 gemacht haben war von herausragender Qualität. Allein, wenn man sich die B-Seiten wie England oder The Once And Future King aus dieser Zeit zusammenstellt, hat man bereits das nächste tolle Album in der Hand. In diesen Monaten gelang ihnen alles und A Weekend In The City ist der Grund, warum eine britische Newcomerband innerhalb kürzester Zeit aus dem Nichts zu meiner Lieblingsband wurde und hoffentlich auch im nächsten Jahrzehnt noch viel zu geben hat. Dieses Album ist in meinen Augen ein Meisterwerk und hat mich musikalisch und menschlich in den letzten Jahren mehr geprägt als jedes andere Stück Musik. Eine Songzusammenstellung, die nachdenklich macht und aufrüttelt. Ein Zeitdokument einer Dekade. Dass es ein düsteres Dokument geworden ist, spricht wieder mal für unsere Zeit. Na ja, oder halt dagegen. Vielleicht kann man darauf was Besseres für die nächsten zehn Jahre aufbauen. Auch wenns nur Musik ist. Aber so ist es am Ende mit allen Alben in diesem Ranking. Selbst alle die, welche die Top 100 verpasst haben, ja sogar all die, welche mir wichtig sind und in den Jahrzehnten davor erschienen sind. Am Ende zählt nur die Musik, die einen berührt und fasziniert. Das hat sie definitiv auf eine unnachahmliche Art und Weise in den vergangenen zehn Jahren und das wird sie auch sicher, wenn auch auf anderen Wegen, in den nächsten Jahren machen. Ich hoffe, ihr hattet viel Spaß beim Lesen und habt vielleicht das ein oder andere entdeckt, was ihr noch nicht kanntet. Dann hätte sich das Ganze ja schon mal gelohnt. Und wenn nicht, dann mußte ich das auf jeden Fall einfach mal loswerden. Alles Gute für die nächsten zehn Jahre!
Anhören: Song For Clay (Disappear Here), The Prayer, Uniform, Where Is Home?, Kreuzberg, SRXT

PS: Auf einen Blick gibts das komplette Ranking nochmal hier zum Nachlesen.

Meine 100 Alben 2000 - 2009 / Platz 02

rhododendron — 2009-12-15T19:16:00Z

02. The Stills Logic Will Break Your Heart (2003)

Das schöne an dieser Top-100-Liste ist wohl am Ende, dass sie zwar trotzdem die üblichen Verdächtigen am Start hat, aber immer mal wieder zwischendrin Alben auftauchen, die der Außenstehende nicht so auf der Rechnung hatte. Denn am Ende ist es meine Liste und meine Favouriten. Und während sicher einige Musikkenner das 2003er Debütalbum der kanadischen Stills als ganz okayes Debüt mit der flotten Hitsingle Still In Love Song abstempeln, geh ich einenn anderen Weg. Nicht nur ist besagter Hit in meinen Augen relativ überbewertet, nein, sondern Logic Will Break Your Heart hat genau das Gegenteil von seinem Titel gemacht, nämlich mein Herz gewonnen. Und so ist es am Ende ganz selbstverständlich mein zweitliebstes Album der vergangenen Jahre. Und es ist wirklich meines, hab ich nach wie vor das Gefühl, eben deshalb, weil es kaum jemand kennt. Was spricht nun also für die Vizeposition der Stills? Nun, es ist exakt eben jener Mix aus tollen Songs und der Lebensphase, in welchem ich auf dieses Werk traf. Ich glaub, am Ende muss ich Chrischie danken, welcher das Album erst unserem Fall On Deaf Ears gegeben hat, welcher es dann an mich weiter reichte. Doch es vergingen noch ein paar Monate, bis ich überhaupt reinhörte. Und ich weiß gar nicht mehr, was letztendlich den Anstoß gab und wann das Album letztendlich bei mir Klick machte. Es muss irgendwann im Sommer 2006 gewesen sein, wo mich dieses Album aus dem Nichts recht flott umgehauen hatte. Man benutzt ja gern mal so blöde Emo-Sätze wie Dieses Album hat mein Leben gerettet. Ist eigentlich schrecklich abgedroschen, aber in Anbetracht der Tatsache, dass ich ihn bisher noch nicht in den Top 100 angewendet hab und weils einfach wahr ist, drück ich mal auf die Emo-Tube. Ja, dieses Album war und ist mir extrem wichtig und einer der Gründe, warum Musik in meinen Augen unser kostbarstes Kulturgut ist. Und das seh vielleicht ich nur so, denn hier handelt es sich ja um kein symphonisches Großwerk, sondern um Indierock mit leichtem New-Wave-Einschlag. Warum funktioniert dieses Album bei mir? Vielleicht, weil es die Thematik ist 12 Songs über gebrochene Herzen mit unterschiedlichsten textlichen Herangehensweisen. Der fulminante Opener Lola Stars And Stripes mischt apokalyptische Ängste mit Zweisamkeit, während gleich im Anschluss im lyrisch prägnantesten Song des Albums, Gender Bombs alles zusammengefasst wird The Girl will school you. Und Logik zerbricht eben das Herz, genauso wie Veränderungen am Ende schlecht sind. Der gleichnamige dritte Song beendet den tollen Hit-Hattrick gleich zu Beginn der Platte. Hier bin ich schon hin und weg. Der Rest begeistert auch, seien es die etwas rockigen Nummern wie Love and Death oder Allison Krausse oder die ruhigen Momente, wie Lets Roll oder Fevered, welche wie eine warme Sommernacht für Seelenfrieden suchen. An den sehr seltsamen Wendungen, die hier fallen, wird klar, dass es mir recht schwer fällt den Wert und die Faszination von Logic Will Break Your Heart in rationalen Beschreibungen festzuhalten. Vielleicht versuch ichs noch mal. Wir haben 12 sehr gute bis geniale Indierock-Songs, die aber gern mal ein wenig Richtung Wave schielen, ohne aber dabei wie Interpol und Konsorten zu klingen. Was bleibt ist die melancholische Grundstimmung, die zwar gelegentlich Ausbrüche von Optimismus zulässt, aber damit nie übertreibt. Etwas Dunkles kann diese Musik nicht von der Hand weisen. Aber gerade die Tatsache, dass sich das insgesamt irgendwie mit den hellen Aspekten der Musik die Wage hält, macht dieses Album so hörenswert. Der Verlust der Liebe bleibt zentrales Thema dieses Albums. Und so stellt Sänger Tim Fletcher am Ende resigniert fest: Some things last forever, why can't this last forever?. Das der Abschlusssong Yesterday, Never Tomorrow am Ende doch irgendwie etwas fröhlich Leichtes an sich hat, kann gern als Ironie der Tatsache gesehen werden. Auf Logic Will Break Your Heart wird im ganz großen Maßstab gelitten, auch wenn es sich das Album eben nicht anmerken lässt. Nachdem der Nachfolger ein ziemliches Desaster wurde und man die Stills eigentlich schon hätte abschreiben können, stimmte das 2008er Album Oceans Will Rise wieder versöhnliche Töne an, so dass vielleicht auch in Zukunft noch mit den jungen Herren aus Kanada zu rechnen ist. Und selbst wenn nicht, dann bleibt am Ende dieser kleine, wunderbare Indierock-Schatz, der für immer einen großen Stellenwert in meinem Leben haben wird. Und vielleicht funktioniert das nur in bestimmten Situationen, in denen man selber das durchmacht, was diese Platte uns erzählt. Vielleicht funktionierts aber auch anders. Wer also bisher noch nichts von der Existenz dieses Albums mitbekommen hat, dem empfehle ich das Anhören hiermit uneingeschränkt. Danke, liebe Stills!
Anhören: Lola Stars And Stripes, Gender Bombs, Changes Are No Good, Lets Roll, Fevered